文：鄧思寧 從藝術裏探討關係似乎是恆久不變的定律，無論是從自身或他者角度出發，於抽象表達中尋找以至創造聯繫都是常有的劇場「方程式」。《非日常》由張雨桐與李拓坤聯合編創而成，在常規的生活場景及物品堆砌中，以不尋常的方式解構人與物，以至人與人之間的關係牽絆，建構出一個古靈精怪的異世界空間。 非日常，顧名思義是脫離常規與「正軌」，亦可代表某種不確定性，或可進一步延伸至陌生與危險。作品以日常的生活必需品化作非日常用途，將無聊變有趣，猶如在乏味而理所當然的規條中尋找縫隙。編舞選擇運用大量傢俱例如木桌子、椅子、膠手套作為佈景，散落與重新組合以幻化成各種非常規的形象，由是脫離其本身的「用處」，例如以帽子與掃帚擬人化，形成一種如同稻草人般的存在。有趣的是，編舞刻意安排一段「玩樂」，近乎瘋癲的段落以呈現人與物之間的扭曲關係。舞者於反轉桌子的有限空間裏穿梭，不斷交換手中的物件進行互動，像是把噴壺當成啞鈴，騎上掃帚「飛翔」等等。觀看的過程中筆者不斷聯想到城市中人們的生活狀態，在空間異常狹窄的環境之中，那種被外物壓得動彈不得，於是唯有在有限的空間中尋找樂子自娛自樂的瞬間

文：程天朗 有些事物走得太前，就無法定義；而人對於未知的東西，好奇中總帶點恐懼和抗拒，例如初次喝酒，或者去的士高跳舞。Just Keep hoofing Tap x hiphoparty (下簡稱 hiphoparty) 這個節目由入場那一刻到結束離場，我就像喝了那杯Welcome drink cocktail 後帶微醺的醉意，感覺輕鬆愉快。 Hiphoparty本身就是一杯以不同酒類混合的雞尾酒，賞心悅目，味道可口。若以酒比喻為一種舞蹈文化，這確是一個誘人的入門契機。 觀眾甫入場即獲發一張「員工卡」，可自行在近入口處的大檯上用顏料筆塗鴉，也可借用發光領帶。室內盡頭小舞台是飲品區及打碟區，背景寫著發光JUST KEEP HOOFING大字。「形館」化身成開放式辦公室，場地兩邊各有數塊白板及鏡面活動展板分隔為「舞台區域」，其中兩塊白板屏風後是設備齊全的「老細房」，「半身模特兒公仔」坐在大班椅上扮老細。入場人士拿了Welcome drink之後可自由在場內打卡，展板及白板上均有塗鴉，寫了打工仔心聲Tired 、「有汗出，無糧出」等。 攝：Sher

文：葉瑪 在粵語語境裡，「步步高」是吉祥語，是勵志歌歌名，代表傳統華人期望「步步向上攀升」的期許。大館表演藝術季「Spotlight 2026」編舞家二高（何其沃）新作命名為《步步高》，加上轉譯英文名「On The Up Grade」，把傳統的期盼並置於二十一世紀全球化的數位網絡之中。步步高升不再僅僅是地位升遷，而是一如手機軟件持續而默默進行，以兼容外在轉變的「自我版本更新」。 照片由 大館 提供 這是一個頗需要事前認知其創作脈絡的演出。在演出前一些訪問中，二高形容是次創作背後是一個田野過程，對象是廣州小北路一帶，混雜著非洲人、阿拉伯人等不同國族，前來中國尋找貿易商機的人。前中文大學人類學教授Gordon Mathews最廣為人知的研究，是於香港一幢重慶大廈看見「低端全球化」，他將其定義為「人與貨品在低資本投入和非正式（半合法或非法）交易下的跨國流動，常與發展中國家聯繫在一起 *1。」這種流動的中心點近年就移到廣州小北路，異鄉人們重複往返進行經濟活動的集合點，漸漸地又自成一個粗糙的、草根的、卻又極其鮮活的社區。 二高將田野考察所取得的，揉雜了不同

文：李淑嫻 香港芭蕾舞團曾於2024年上演的《突破常規》中，首度展示由希臘編舞家安東尼斯．方尼亞達基斯 (Andonis Foniadakis) 以英國Depeche Mode樂隊的電音流行曲創作之《Strangelove》前衛作品。兩年後，連同胡頌威 (Hu Song Wei Ricky) 與麥靜雯 (Mai Jingwen) 以香港BEYOND樂隊的歌曲聯合編舞的《無腳鳥》（Martlet）及美國編舞家特雷．麥英泰爾 (Trey Mcintyre) 以英國QUEEN 樂隊的歌曲編創的《Mercury Half-Life》，組成《華麗搖滾》（Glam Rock）三個向樂隊致敬的主題節目。三隊樂隊各自有其獨特的曲風，但無獨有偶，各隊當中的重要成員都已離世，為表演增添緬懷之感。 上半場是《無腳鳥》，幕起時台中央吊著彷如大鳥籠的裝置，身穿藍色舞衣的卡諾意 (Luis Cabrera; 10, 12/4場次) 俯仰躺在台中，隨著《祝你愉快》一曲而舞動，此曲是1994年由黃家強為紀念家駒而創作， 跟著是卡諾意與一眾身穿黑衣的男舞者以《我是憤怒》的強勁節拍

文：陳抒 這是我第二次看二高的表演，上次的《躲貓貓》*1 頗新奇，觀眾透過影像和聲音在虛擬按摩店中感受視障技師的日常生活 —— 以觸覺和聽覺作為與經驗世界連結的方式。這次《步步高》依然把身體實踐和社區連結作為創作的主軸，一個半小時內帶領觀眾在掛滿色彩繽紛蠟染布的大館F倉中玩耍嬉戲，有點鬼馬精靈，有點天馬行空，但這樣充滿童趣地和身體做遊戲，誰又會不喜歡呢？ 演出開始前，觀眾圍坐在F倉四角花花綠綠的蠟染軟墊上，牆上是蠟染花布圖案的投影，地上是折成各色形狀、大大小小的布料，舞者身著蒙面綠色連體衣，四處遊走，偶爾和前排觀眾有肢體上的互動，瞬間像進入了一個奇想世界。演出開始，舞者褪去連體衣，露出內裡俗氣得很歡樂的花布拼貼服裝，像波希米亞的裝飾，也似小朋友的手工作品。接著，舞者開始在空間肆意遊走，有時連結在一起，在布匹的掩蓋下騰移纏繞。印象較深的一個畫面：一個女舞者坐在男舞者的肩上，雙臂張開，手肘向下微彎，肅穆的神態和動作，讓人想起舞王濕婆（Nataraja）*2 的一些造型。作品前半段節奏較慢，稍嫌沉悶，有些可辨識的動作型態來自非洲舞、洪拳，但並未在結構上

文：邱穎琳 「大館表演藝術季：SPOTLIGHT 2026」的《介乎之間》，是一個雙劇目的環節，包括《殘存之間：暗室》及《雙生》。前者直面移民處境，後者看似描寫著網絡直播生活，但現代人又何嘗不是網絡世界上的移民？究竟甚麼才是現實？ 全球化之下的現實 第一個作品《殘存之間：暗室》由盆栽與金魚缸橫向進場揭開序幕，葉子盆栽躡手躡腳地嘗試探進魚缸，進一步接近它，卻被華裔清潔工長篇大論喝斥：『那不屬於你！』，畫面甚是可愛。演員以星馬口音的英語嘮叨，為劇作首先注入輕鬆諧趣的氛圍，同時隱約透露移工的心聲。場景設定為一名歐洲老人的家，僱有兩名亞裔清潔工，全劇以日常對話為主軸，以舞蹈表達各人的內心。女工的性格較為忠直謹慎，大概是海外典型的基層華人；另一位工人則為比較調皮、演繹上較女性化或非二元性別的菲裔男生，渴望自由，找尋自我。 歐裔老人不良於行，亞裔傭工為他打點家務——率先揭示歷史遺留下來、來到今天仍然重覆上演著的刻板印象。恪守本份的女工把老人的家打理得一塵不染，看到菲裔男生邊玩耍邊工作，忍不住調教他，著他跟從正確的清潔姿勢，不得有半點偏差，更斥男生的 Vog

文：葉智仁 否定？並存？是否比「介乎兩者之間」更好？「介乎」(in between) 在廣東話中意即「喺兩樣嘢中間」。這樣的存在究竟是艱難的掙扎，還是至少好過什麼都不是？ 雙劇目《介乎之間》是「大館表演藝術季：SPOTLIGHT」 (2026) 委約的獨立編舞創作。整體構思提出的大哉問是「我是誰」，並由兩個獨特視角展開。第一個作品《殘存之間：暗室》探討「我和他人」在權力關係中所牽涉的身份認同。編舞何樂宜直面族裔、膚色和語言文化差異所投射在移民身上的刻板印象，揭示隱晦的歧視如何根深蒂固，並在不自覺間造成心理糾結。第二個作品《雙生》則轉向內心世界，由編舞兼舞者劉卿羽藉鏡像投影，關注「我和另一個自己」的多重自我困惑，描繪過度自我反芻所產生的心理幻像。兩個中篇作品同樣以當代舞為媒介，無論是批判社會問題，還是側重擺脫傳統的實驗形式，都呈現了肢體動作如何喚起我們「應該多想一些」的力量，鼓勵觀眾關心他人與自身的掙扎與感受。以下將分別談論其特點。 介乎「骯髒」與「純潔」之間的核板印象 來自香港的清潔女工勤勞、服從、遵守規則，卻始終活在可能遭受歧視的陰影之

文：邱穎琳 自由空間大盒坐滿等待開場的爸爸媽媽和孩子，劇場內白皚皚一片，右面一堵攀石牆，左面由一格格的四方體堆疊出的小山；坐在有如大冰塊的觀演區域，聽著猶如主題樂園的音樂，伴著襲襲藍光——感覺彷如氣溫也降低了。佈景設計成功引起觀眾的好奇心，令人從外面的紛擾慢慢投入到雪嶺場景之中。 攝：Carmen So（相片由 Artists who Love Animals and Nature (ALAN) 提供） 一眾披著藍色長袍的演員，率先跑進圍繞觀眾的演區，先拉近與觀眾之間的距離，試著建立兩者之間的連繫，為演出揭開序幕。三位外籍舞者首先於右面的「懸崖」附近輪流起舞，日本舞者的身體流動尤其好看，每次出場都讓人目不轉睛；這一幕，服裝與背景色相同，加上視覺投射效果，舞動的身體若隱若現，加上內斂的呈現，讓人有對於雪山群獸百態的想像。我很喜歡這種抽象而簡約的美學，心靈好像被淨化了一趟。 攝：Carmen So（相片由 Artists who Love Animals and Nature (ALAN) 提供） 然後，故事便開始了。 小孫悟空...

文：陳抒 前些日子，荷里活男星Timothée Chalamet出言戲謔，稱芭蕾與歌劇皆是「將死的藝術形式」（dying art forms）。此言雖引來一片反彈，卻也帶出了一個尷尬現狀：觀眾群日漸凋零，各大機構仰賴公帑維繫，而關於芭蕾舞是否走向衰亡的爭議，竟比對藝術本身的討論引來了更多迴響。芭蕾舞若要保有生命力，必須直面一個命題：如何走向當代，如何承載此刻社會的悸動、焦慮與多元的身分認同？正因如此，香港芭蕾舞團新舞季的開幕演出來得恰是時候，這場演出清楚說明了一件事：芭蕾未死，其動作語言有強大的潛力，舞出搖滾的叛逆與情歌的失落，結結實實震撼觀眾。 「華麗搖滾」 (Glam Rock）由三個獨立的單元（Martlet, Strangelove, Mercury Half-Life ）組成，編舞靈感來自三支搖滾勁旅，分別是 Beyond, Depeche Mode, Queen。三個舞段風格各異，以藝術完整度而言，《Strangelove》最為突出，前後兩場各有可圈可點之處。 Andonis Foniadakis的《Strangelove》（以D

文：陳抒 近來舞劇在國內大行其道，熱愛表演藝術的劇院常客（Theatre Goer）之間，把「爆款」舞劇如《詠春》、《永不消逝的電波》奉為極高級、極美的舞蹈劇場。筆者友人觀賞新製作的舞劇《牡丹亭》後盛讚：「那個小丫頭演得好活潑有趣，私塾先生把花偷偷撿起來插在鬢邊，這些細節讓人物好豐滿⋯⋯單為了舞台設計也要去看，從頭到尾陣陣白霧瀰漫，宛如仙境⋯⋯延展台上雙人舞可以看到很多技巧細節，你一定喜歡的。」年少時曾被《牡丹亭・驚夢》中「則為你如花美眷，似水流年」一句深深打動的我，自然不會錯過第54屆香港藝術節的閉幕演出舞劇《牡丹亭》。 此版《牡丹亭》兩幕各有亮點。三個小時的舞劇熱熱鬧鬧，台下幾乎滿座，台上機關設計、燈光轉換、霧氣繚繞未曾停歇。然而走出劇場，竟無先前觀看中國經典文學改編舞蹈劇場時的驚喜。相較之下，同樣以古典文學作為藍本，林懷民、胡陽、黎海寧的《九歌》，將楚地神祇轉化為極癲狂、詭奇的現代審美語彙；而楊雲濤受東方身體哲學啟發的《山水》；雲門的《行草三部曲》於呼吸動靜之間的酣暢淋漓，皆將中國傳統文化以當代的美學形式展現。以此為參照，更顯出《牡丹亭》舞