文：葉智仁 攝： Eric Hong @ Moon 9 Image （照片由 西九文化區管理局 提供） 場刊上，你找不到編舞名字。《搭橋》是香港鐵仕製作（TS Crew）和大阪 contact Gonzo 的跨風格合作演出。然而，沒有編舞並非沒有排練，反而更甚，因兩團異質元素的融合，能否成功，並非純粹即興動作的並置便可。在「自由舞2025」呈現的這個作品，凝聚了兩年的淬鍊與累積*1，是繼2024年11月於「FIRST 創作平台」在細盒的階段展演後，更完整的成果。   當晚在大盒的一個多小時演出，清楚展現他們經長期磨合和沉澱後，已碰撞出有趣的新風味。原本看似無故事劇本的環節，拼湊起來也覺流暢，並真誠傳遞出「最緊要好玩」的精神。最後選上許冠傑的名曲作結，太美妙了，既喚起懷舊情感，又帶觀眾回到八十年代記憶：拼搏、時尚、自由、活力；流行音樂更是港日兩地共享的文化語言。這樣，一方面展現出鐵仕製作的舞者不斷嘗試在文化隔閡中尋找人群間的共通點，並延續和推廣香港特色的精神；同時凸顯了兩地團體以身體動作理解對方文化的魅力。人與人能否溝通，在乎是否勇於嘗試，即使有誤

文：Alysa Leung 二十一世紀，科技日新月異，人們追求技術急速發展。在說的除了科技，還有是對人的技藝。在這個人工智能發達的世代裡，很多事情都像有捷徑，為什麼我們還需要日以繼夜的練習？一個個技術被發明以後快速在網上流傳，成為下一個練習目標*1。在雜耍這個追求技術精準高超的世界，人和機器之間有什麼分別？作為觀眾，我們從一連串行雲流水似的招式中感受到什麼？今次《瞬間看馬戲─拋程尋》中的五位來自香港和法國的馬戲藝術家，將人、科技、道具之間的關係一一呈現。   唐娜·哈洛威（Donna Haraway）於 1985 年發表的《賽柏格宣言》*2 中提及： 「二十世紀末的機器徹底模糊了自然與人工、心靈與身體、自我發展與外部設計，以及許多過去用來區分有機體與機器的界線。我們的機器活潑得令人不安，而我們自己卻僵化得令人恐懼。」   開場時觀眾魚貫進場， 表演者李裕駿（Jason）緩緩整理手中的人(偶)形肢體。他徐徐打開錄像鏡頭，由電腦控制識別不同人和偶的身體部位。隨著時間推進，他和塑膠製造的人偶肢體漸漸融為一體。那些膠肢體由最初是為 Jason...

Text: Angela Lee In 2025, commemorating the 85th birthday of Bruce Lee (李小龍/1940-1973), Hong Kong Dance Company, led by Yang Yuntao (楊雲濤) as Artistic Director, presented its Grand Dance Drama Kung Fu Artistry: Bruce Lee’s No Way as Way as a tribute to this legend as well as an advance celebration of the company’s 45th Anniversary. In the hearts of fans, Lee is not only an internationally renowned megastar, but also a great philosopher. He was the founder of Jeet Kune Do (截拳

文：Yumi Leung 擁有跨國別背景的編舞洪綵希、威廉・科西（William Forsythe）和悉妲・奧斯泰默（Sita Ostheimer），受邀與CCDC的舞蹈員合作，分別帶來《血泉》、《N.N.N.N.》和《月》。三部作品展現出截然不同的音樂視野，重新連結香港舞者和觀眾。   音樂充當主導角色 洪綵希帶來新作《血泉》，名字靈感來源於波特萊爾詩作《惡之花》中的《La Fontaine de Sang》。音樂在整個作品中被拉得很滿，奠定了沉靜、壓抑和憤怒的氛圍基底。作品一開篇即以快速的音樂節奏和舞蹈動作搶佔觀眾眼球，參觀完洪綵希畫作《面孔》的觀眾，也能迅速感受到兩者風格的連貫性，舞蹈作品像是一幅迅速的自畫像，源自直覺，也帶來強烈的情緒感受，那些扭曲的線條和面容被舞者用身體動作重新轉譯出來。   筆者對舞者的手部動作尤為印象深刻，像是獸的形態，配合以人聲為主調的音樂，在逐漸加強的音樂效果中，鋪墊出一種獻祭的場景。舞者以不同排列組合穿插出場，動作的意象性也頗為強烈，舞者以十字架的形態躺臥在地上，再以蠕動的身體爬行，逐漸將中心的舞者舉起在光亮處

文：俞若玫 舊區重建而來的東九文化中心終於在十一月開幕，的確是香港文化重要事件，它被定性為「地標式國際文化中心」*1，也是推動長期演出和藝術科技的旗艦場地。但這是行政「雄心」，節目的選單和質素才是藝術內蘊及高度。   因此，帶著期望去看開幕節目《Pulse/Pulse/Pulse》，期待所謂3M（Media / Movement / Music）的對話，也即是兩個場地伙伴Dimension Plus 、 Jazz Society 聯乘駐場舞蹈藝術家林俊浩的跨媒體創作。 攝：Carmen So（照片由 Dimension Plus 提供） 作品恰如其名，三個媒界，各有脈動，特別是音樂部份，大可獨立成章，三位日本樂手及音樂總監關家傑自有天地。不太看見或聽見，媒體之間的異質對話。再來，觀眾的脈動又如何？ 攝：Carmen So（照片由 Dimension Plus 提供） 編舞家林俊浩非常聰明，常以空間的調動，顯出東九文化中心劇場硬件上的技術可能。甫開始，就是打開劇場棚頂，讓觀眾感受劇場的高度 ，也可以說是顯出一種「負面空間」 (Negative Sp

文：程天朗   「延點」的珍貴在於創作人可以在沒票房負擔下發揮創意，彰顯出作品真誠的本質。六個作品短小精悍，意念及表現形式上不重覆，卻又彼此對應。 張煒彥《你和我和鋼管和⋯》和朱仟青的《I Dance in This Outfit》都是自編自跳，演出範圍是近乎「定點」的舞動演出，煒彥由始自終就是繞著柱杆轉；仟青幾乎是站在原位跳，只出現過一次步幅稍大。演出過程中，觀眾的注意力高度專注於舞者的身體上。 男生裸裎結實肌肉、女生裝扮性感，兩者會否引起觀者遐想或慾念？就如大眾對「鋼管舞」的印象是否有偏頗？看深一層，兩個作品都有對「他者凝視」及「自我觀照」的反思。重點是創作人想觀眾看到的跟觀眾看到的其實有落差。 煒彥把學習鋼管舞的過程一次過濃縮展示，由始至終都是圍住鋼管練習動作，由單手借力腳踏地繞著柱轉，到雙手借力整個人上到柱頂轉一圈凌空倒立，再翻身落地。舞者跳得不慌不忙，觀眾卻看得屏息靜氣。 肌肉鍛鍊不在朝夕之間，如希臘神像般的線條是經年累月反覆練習的成果。練習強化核心力量，挑戰動作難度，舞蹈中段舞者就有刻意著力展示肌肉線條，讓觀眾「看得見」轉變。 《你和

文：格子 《I’m just a girl》除了是作品的命題，也是編舞對觀眾的提問，「『身爲女孩』究竟意味著什麼？」。這個關於女性的舞劇，能否體現創作人的女性自主自覺，對自身性別和生活所關心的議題，同時又想向觀眾（特別是女性）傳達甚麼訊息？ 《I’m just a girl》是一齣講述由女孩、少女蛻變到成人歷程的三幕舞劇。第一部份是描述孩童處於一個天真、開朗和自由的童年，對所有事都充滿好奇且容易體會到快樂。第二部份女孩踏入青少年時期，開始在學校接受教育和規訓，社會標準和傳統教化如何塑造女孩形象。第三部份少女蛻變成為女人，勇於尋找自我身分和認同，跳出主流價值觀的桎梏，重新定義自己。 甫進場，看見台前有三間以多巴胺風格*1裝潢成粉黃、粉藍、粉紅的女孩房間，還擺放了很多毛公仔、芭比、紗裙、塗鴉、世界地圖，先在視覺上讓觀眾感受到活力與夢幻。後見林靖嵐、戴天晴、丘愷頌也穿著以上顏色的泡泡公主服，躲在紙箱堆砌的紗帳內玩耍的剪影，配以雜錦英文歌襯托，其中一首是著名金曲 What will be will be，彷彿暗喻女孩們對不確定性的將來應順其自然。三人掀開

文：程天朗   對於從未接觸踢躂舞的觀眾或者踢躂舞愛好者來說，The Next Movement 在香港的藝術生態環境下，可是說一個絕無謹有的演出。創作及製作團隊奉上一晚極盡視聽之娛的舞蹈盛宴。觀眾見證了一個實驗成果，不論是劇場構作、音樂選擇、舞蹈編排，錄像應用、節目長度甚至是票價定位，The Next Movement 可說是一個極具可看性的演出，就像那種可以一再回味的百老匯式音樂劇般好看。   以「下一步」為名，演出圍繞「身體舞動」、「音樂篇章」及「踢躂舞發展」三個中心命題。The Next Movement 舞蹈劇場的內容豐富，發起人先開宗明義講解計劃源起，也有即場舞蹈示範及說明舞鞋的科技原理及應用。場外更有連接儀器的特別版電子舞鞋展示，供觀眾親手測試，誠意可嘉。踢躂舞冷門卻純粹，舞者以踢躂舞鞋敲打地板發聲，是物理學上的發聲。電子舞鞋底有七個電子感應區，可預先配置不同的聲效，簡單來說一對鞋 E-shoe 就是一隊樂隊。 攝： Maximillian Cheng （照片由 STEP OUT Studios  提供） 節目分成數個段落，舞蹈融合

文：格子 2025年11月尾在大埔藝術中心舉行了《臨界藝術節》（Horizons Festival），藝術節為期四天（27-30/11），匯聚超過27個本地及海外創作單位，及兩個大埔藝術中心藝術家工作室(301工作室、小息跨媒介創作室)合作，提供共34場演出，涵蓋戲劇、音樂、舞蹈、跨媒介等多樣化現場表演藝術，還有14場活動包括體驗工作坊、分享會、頌缽療癒等等。 主辦機構流白之間表示，《臨界藝術節》旨在向香港觀眾推廣多樣性的現場藝術演出。這個計劃源於對「本地藝術家對藝穗形式的創作及國際藝穗節巡演的興趣急增，以及本地缺乏平台讓跨媒介藝術家互相交流，並將高質素的藝術作品帶到國際藝穗節。」（編按﹕引自《臨界藝術節》官方網站。）   就在大家萬分期待藝術節的週末，鄰近卻發生了令人痛心疾首的大埔火災。主辦機構、藝術家和創作團隊因應慘劇發生後，慎重考慮表演者和參加者的情緒，還有街坊的感受和社會氣氛，尊重各演出者的意願，讓其決定繼續進行與否，或是即時進行調動安排，例如《渴求者之歌》團隊經過反覆討論決定取消演出、《自廟》也由戶外移施黑盒劇場內早上進行。 《自廟》—

文：葉智仁 郭瑞文與「人‧舞團」(The Human Expression (T.H.E) Dance Company)   的近作《熟悉的陌生》，在黑盒舞台上書寫了一個人類存在焦慮的新命題。當置身於人機混合協作的高科技環境，我們是否仍能清楚辨識自身作為「人」的核心特質？作品的編排不單純描繪數碼科技融入人類生活的經驗現實，更將不在場舞者的形相、姿態與意念轉化為數據與像素而生成的「我、你、她、牠、它」等多重數碼存在。換言之，觀眾在觀看過程中，不僅直接感受到全息投影的數碼彷生物（digital quasi-life），更被捲入一場關於跨界差異、共融與排斥的思考戰裡面。因為，當世界由人類與非人類、真實與虛擬的多重存在構成，我們日常互動的對象，已不再侷限於熟悉的動植物與人類本身。究竟，我們面對「自然—身體—科技文化」共生的新景觀，究竟應當去讚頌並和諧包容，還是需要以另一種批判性的態度面對和審視？ 《熟悉的陌生》沒有直接提供答案，但藉舞蹈及多媒體影像，帶引了觀眾去感受。暖場先以名為〈回家的路〉的田野錄像片開始。汽車駛過公路、大橋、樓房……。城市的街道紋理、