文：Yumi Leung 作為羅智穎和何芳婷的首次自資創作演出，作品《belongs to …?》呈現出頗個人化和內在的質感。這是兩個身體的對話， 在空間的縫隙中，尋找身體的歸屬。兩位舞者的動作在拉扯的力、摩擦的力和撞擊的力中不斷轉換，似乎在展開一場對內外空間邊界的深度探問。   力的形塑與邊界拉扯 當兩位舞者被同一塊彈力布裹挾，在幽暗的劇場邊緣緩步移動，僅有窗外透入的微光勾勒出她們的身體輪廓。彈力布不僅是道具，更放大了她們身體製造的拖拉張力，使兩個軀體被迫縫合。她們的手指與腳趾在極限的延展中，更呈現出一種詭譎而迷人的異化感。   這場名為「歸屬」的角力，究竟是力的始端還是末端？隨著一聲沈悶的撞擊，舞者羅智穎被重重地拋擲向牆壁，她被布裹著的身體，向上仰靠，配合被水覆蓋的背景聲效，引導觀眾墜入身體最隱秘的內部空間。   兩個身體的解構重置 作品巧妙地運用藝穗會賽馬會劇場空間，展開兩段風格各異的獨舞。舞者羅智穎與彈力布共舞，在燈光形塑的圓形中，重複穿衣與脫下的動作。在這個循環的空間意象裡，她試圖褪去外界的凝視，重新尋回對身體最原始的直覺與主導權。  

文：Alysa Leung 這是一篇回應*，一篇回應演員在創作過程裡反覆「運動」—— 創作、訓練、嘗試、觀察、體驗後的分享。   Bonni 在（節目場刊上）「導演的話」裡，引述葛飾北齋的名言以道出「演員運動」的精神：「我畫，擦去，再畫，再擦去，然後一朵罌粟花綻放」。作為觀眾，我們得以在劇場裡看到的不是一個個作品，而是一個個創作過程，一班演員沉澱後，最真摯的分享。「過程為本」——之所以重要並不是因為表演者要展現自己什麼，而是回到最真實的自己，回應當下每個狀態。 而在後現代戲劇的語境中，「過程為本」（Process-Oriented），本來就將過程納入作品的一部分——一個作品如何成立，當中經歷了什麼，整個嘗試過程就是一份作品。而作為當代表演藝術家，在個人思考未來前路之前，可以好好整理自己的創作過程，然後再出發；同時，這一場「演員運動」也是一場集體的訓練，而發起人 Bonni 把這次「呈現」(Presentation) 稱之為「運動場」。   《演員運動呈現》包括了三個環節。其中，《奧賽羅》由凌文龍執導，以一個小小的段落，一個小小的謊言，揭示著無數的

文：程天朗 《黑點．紀元》舞劇是「綽舞場」主辦的「當代舞劇發展計劃」第三階段演出。三年努力的成果，除了為台下觀眾帶來一晚琳瑯滿目、目不暇給的演出，對台上的表演者來說則是一次難得的歷練。三年計劃旨在培育綜合能力表演者，由「讀劇」發展成舞台劇，再演變成今次的當代舞蹈劇場；來自不同表演界別的演出者都需要接受各種表演訓練，包括戲劇、形體、舞蹈等訓練。經過三個階段的演出，觀眾跟演出者也一起同行與成長。 平衡舞蹈與戲劇元素，華麗壯觀的大型群舞，似乎都是「綽舞場」作品的特色，這跟「綽舞場」兩位來自不同訓練背景的核心人物潘振濠與麥卓鴻有莫大的關係。另一方面，三年下來，計劃也建立了一定的觀眾群，既把劇場觀眾帶入當代舞的世界，也讓舞蹈觀眾感受戲劇的魅力，擴闊觀賞的視野。撇開這個演出好不好看，此計劃背後的意義已值得擊節讚賞。 照片由  綽舞場 提供 作品介紹上說，未來的人類皮膚上出現黑點方塊，即是現在無處不在的二維碼（QR CODE）。日常生活中愈來愈多操作以掃碼取代人手處理，不論節目場刊、活動資訊及報名、光顧食店時點餐及付費，「無人化」已逐步發展至不可逆轉的趨勢，

文：葉瑪 黃大徽《W.T.F》是西九單人表演藝術節的香港代表之一，他於香港表演藝術界亦是一個無可取代的異數。他的表演由實驗劇場開始，在跨界的概念幾乎未存在之前，持續構築游移於舞蹈界的框架邊緣，維持著知性、感受與想像之間微妙平衡的舞蹈／表演美學。《W.T.F.》是一個自傳式創作，整個演出只有一枱道具、講稿、及一把毫無特色的椅子，連現今演出幾乎是標準配備的投影都欠奉；大半時間黃大徽也幾乎沒離開過椅子，除了因應他講述的經歷作出展示特定動作，他就一直翻著講稿，直面觀眾說話。當然，他都出道超過三十年了，「當代表演」的概念亦已翻過幾轉，今天走進細盒看「黃大徽的作品」的觀眾，甚至可能有著看某種「經典的反舞蹈建制」的期待。而在此前提之下，是次《W.T.F.》的演出形式，說不定反而讓觀眾感覺太過四平八穩。 攝：Winnie Yeung @Visual Voices（照片由  西九文化區管理局  提供） 從《W.T.F.》的形式和舞台設置，觀眾可以很理所當然地將其歸類為一個「講述劇場」（Lecture Performance）作品。引述前進進戲劇工作坊於2024年製

文：程天朗 《THETA △》的創作意念始於編舞數年前在至親死亡期間，由身體對時間感知，逐漸發展成這個關於死亡的覺悟與窺探的作品。 死亡帶來哀傷，經過數年的沉殿，當日在葵青劇院黑盒呈現在觀眾眼前的THETA，竟不帶一絲傷感，沒故事但有結構，雖沒情緒卻是一個有溫度的演出。 攝：Maximillian Cheng（照片由 Maximillian Cheng 提供） 這個作品由編舞曾詠暉，聲音設計師葉珮君及空間設計師陳默共同創作，以鋁這種質料為「主角」，在舞台上以不同狀態構成一個銀光閃閃的宇宙。滿有意思的是觀眾入場時收到的場刊是一顆銀色的乒乓球，雖然只是鍍銀又不導電，但乒乓球在此演出中卻佔了很大的比重。我觀看的場次觀眾不能觸碰物料（只有星期日尾場的觀眾才被允許演出完後跟物料互動），被安排分成內外兩圈貼牆而坐，像大氣層般包圍星球的觀眾都能清楚看到圈內發生的一切。 攝：Maximillian Cheng（照片由 Maximillian Cheng 提供） 開場時一輛遙控探測車在場內四處行走，碰壁則轉彎改道，為這個實驗性的演出揭開序幕。以物料佈置的場景，雖然

文：Yumi Leung 這個長約八十分鐘的作品是2020年版本《鄰居》*的續篇，貫徹『藍嘉穎式』風格的扭曲肢體，營造出暗黑和荒誕的氛圍。當年那位遇上三個鄰居的獨居女子，十年後決定搬回舊居，住進一牆之隔的鄰居家，然後為自己請來六位新鄰居。 編舞對道具的運用出神入化，讓其成為舞者身體的延伸，與空間產生互動，甚至成為敘事的一部分。而聲音作為我們認識鄰居的方式，也被編舞巧妙融合在道具的碰撞聲或音樂中，達到強化主題與情感的效果。此次筆者揀選了其中一些物品，試圖談談它們如何在舞蹈中共存。 攝：Eric Hong（照片由 藍嘉穎 提供） 物品與舞者 一開場，六位舞者時而整齊、時而錯落的動作，配合上bounce（彈跳、蹦跳）的質感，帶出滑稽和黑色幽默的戲劇效果。觀眾一下子被舞者的身體動線所吸引，道具與舞者動作相融合——女主角駱曉玟隨行李箱滑出，行李箱的流動軌跡呼應舞者身體的滑動；隨後女主角在沙發上打電話，跟隨情緒流動，舞者倒立、躺臥，身體和腳部行成誇張的動作，一氣呵成。另外，房租簽約紙下降，女主角的手袋跌落地上......這種drop的動作質感也密切呼應主角的

文：格子 《水囊》（The Breast Cyst）創作源於古靜雯自身經歷，一個關於身體創傷背後的故事。水囊/囊踵（Cyst）是普遍婦女疾病，身體內出現水泡或液體的囊狀腫物。這些水囊大多是良性，也偶發性有惡性腫瘤。舞者透過舞作表達自己與胸部水囊共存的經歷，期間反覆發炎引起的疼痛和焦慮，致使她要學習如何去擁抱身心傷痛，繼而「觀照」自己的情緒——那種不帶批判去審視自己內心的聲音和體悟，將其情感和身體裸露在觀眾前，所以她說這個舞踏劇場作品對她十分重要。 攝：Moonlight Productions 影片剪輯：Maximillian Cheng（影片由 古靜雯 提供） 舞台設計所用的泡泡紙/氣泡膜正是作品的主軸，也是隱喻。那是快遞常用保護易碎物的透明塑膠包裝材料，上面有許多充滿空氣的小氣泡。那些泡泡紙大小不一，由劇場的牆磚、地板伸延至天花。地板的大泡泡紙是個置在中心的漩渦，天花懸浮一顆包捲的大水囊，拉開至四角垂吊泡泡紙。音響設計的余梓聰戴起墨鏡，獨在一隅，負責現場奏樂。迷幻詭異的電子音樂營造了超現實的空間感，合成器和電腦軟體的聲效無間斷似的騷動干擾，

文：鄧蘭 由唐婭舞影主辦的《盛舞之夜》II繼去年首度登場的好評和佳績，今年（2026年）1月9-11日在文化中心再度上演3場《盛舞之夜》II。筆者沒有看去年的《盛舞之夜》，故不會把兩套節目的藝術水平作比較，但從內容、選段和編排，卻看到明顯的分別，就是由盛事到簡約華章的轉變。這也很值得一談。首屆除國內多個頂尖舞蹈院團如上海歌劇院、江蘇大劇院、中國東方演藝集團和深圳歌劇院參與，還有香港演藝學院和香港芭蕾舞團的演出，另外亦有中國香港武術聯會的項目。今屆參與的劇院或劇/舞團並不是焦點，反而更著重個人，即獨舞的部分。這樣一來整場《盛舞之夜》II所展示的舞種和藝術種類，相對今年來說，去年較多元化。由大型選段換上個人表演為主，從舞台、燈光、佈景裝置都見簡約風格。雖然舞者都是分量十足，由大型群舞演出到個人的表演，所展現的觀感和視覺效果，有由盛到簡約篇章之別。 照片 由 唐婭舞影 提供 內容方面，今次選演的十一個選段均以中國舞為主骨幹。雖然在個別舞者中不難看到現代舞風格所影響，也有芭蕾技巧和滲入武術的元素，跟首屆包含芭蕾舞或武術演出的作品卻是很不同。編排上，今次特

文：葉智仁 攝： Eric Hong @ Moon 9 Image （照片由 西九文化區管理局 提供） 場刊上，你找不到編舞名字。《搭橋》是香港鐵仕製作（TS Crew）和大阪 contact Gonzo 的跨風格合作演出。然而，沒有編舞並非沒有排練，反而更甚，因兩團異質元素的融合，能否成功，並非純粹即興動作的並置便可。在「自由舞2025」呈現的這個作品，凝聚了兩年的淬鍊與累積*1，是繼2024年11月於「FIRST 創作平台」在細盒的階段展演後，更完整的成果。   當晚在大盒的一個多小時演出，清楚展現他們經長期磨合和沉澱後，已碰撞出有趣的新風味。原本看似無故事劇本的環節，拼湊起來也覺流暢，並真誠傳遞出「最緊要好玩」的精神。最後選上許冠傑的名曲作結，太美妙了，既喚起懷舊情感，又帶觀眾回到八十年代記憶：拼搏、時尚、自由、活力；流行音樂更是港日兩地共享的文化語言。這樣，一方面展現出鐵仕製作的舞者不斷嘗試在文化隔閡中尋找人群間的共通點，並延續和推廣香港特色的精神；同時凸顯了兩地團體以身體動作理解對方文化的魅力。人與人能否溝通，在乎是否勇於嘗試，即使有誤

文：Alysa Leung 二十一世紀，科技日新月異，人們追求技術急速發展。在說的除了科技，還有是對人的技藝。在這個人工智能發達的世代裡，很多事情都像有捷徑，為什麼我們還需要日以繼夜的練習？一個個技術被發明以後快速在網上流傳，成為下一個練習目標*1。在雜耍這個追求技術精準高超的世界，人和機器之間有什麼分別？作為觀眾，我們從一連串行雲流水似的招式中感受到什麼？今次《瞬間看馬戲─拋程尋》中的五位來自香港和法國的馬戲藝術家，將人、科技、道具之間的關係一一呈現。   唐娜·哈洛威（Donna Haraway）於 1985 年發表的《賽柏格宣言》*2 中提及： 「二十世紀末的機器徹底模糊了自然與人工、心靈與身體、自我發展與外部設計，以及許多過去用來區分有機體與機器的界線。我們的機器活潑得令人不安，而我們自己卻僵化得令人恐懼。」   開場時觀眾魚貫進場， 表演者李裕駿（Jason）緩緩整理手中的人(偶)形肢體。他徐徐打開錄像鏡頭，由電腦控制識別不同人和偶的身體部位。隨著時間推進，他和塑膠製造的人偶肢體漸漸融為一體。那些膠肢體由最初是為 Jason...