文：俞若玫 沒有比專業舞者更懂得身體的榮辱。春去秋來，自然變化，道理誰不知，但歲月真正落到身體，頂峰傲立的光芒漸漸化為退縮的嘆息，滋味翻騰，從何說起。如何面對歲月這頭小老虎？新約舞流製作的《歲月如舞・城市和身體故事》以藝術為方法，在舞台精緻地打開了舞者的絲絲回應，真誠地展示身體、身份和生活跟歲月之間的糾結和解難。 自己一直主張「creative aging」 ，也策劃過不少長者社區藝術活動，希望讓更多人理解年長不是衰敗和虛弱，而是成長及知識的場域，當中，反省生命經歷，重撿好奇心，正是兩面重要透鏡。今次謝謝周佩韻(Pewan)老師策劃以「60＋」的舞者為主的舞作，用身體說話，瀟灑地體現了這兩大要素。 節目未開始，我們已看見 Antoinette 老師在前台，靜靜地，獨自坐在木椅，在暗光下看書，她慢慢翻動書頁，專注地，一頁，又一頁，似在細閱自己歲月的痕跡，我們也跟著看她如何看，一種從容、了然的力量漸漸在舞台展開。 先是雙人舞《Roots in the Wind》由師承周佩韻的三位演藝學院舊生，包括許俊傑、郭曉靈和黃靜婷，與舞者Pewan及麥秀

文：程天朗 家是什麼？一間屋，一個讓人歸去，可以安睡的地方？ 原始人以洞穴為家，在一個能遮風擋雨的地方，養精蓄銳過後再外出狩獵營生。 《迴家》的開場也是由一個洞開始。以航拍帶來驚艷的開場後，主角以舞步發聲，在三十分鐘內引領觀眾探索一個既陌生又熟悉，其實已逐漸瓦解的香港城市景觀。 照片由 王丹琦 提供 影片分成三部分，全都是這個擠迫小城的「一人之境」：有被風吹得颯颯作響的地產店街招牆，有琴聲伴隨的信箱陣、唐樓樓梯及狹窄走廊，有以觀塘某工廈天台維修重整的時空。以魔幻的手法呈現「家」的意象。 三個段落獨立成章，卻又一脈相承。 男舞者被三面貼滿售樓廣告的木板圍著，颯颯作響的聲音像咆哮的巨獸。舞者把廣告紙吞下，尤如夢魘，黃色街招如符紙黏在舞者前額，揮之不去。緊隨舞者的腳步上天台，一覽無遺小城夜色，在天台水窐漾出一片璀璨燈影。舞者站在天台水箱邊緣，乘風起舞，險墜未墜。颱風來臨之前，仰角拍攝展示一片澄明天空。舞者一再在高處邊緣的掙扎，「符紙」終被掙脫，靜音片刻後是令人心境平靜熟悉的音樂，但全程看得人驚心動魄。 照片由 王丹琦 提供 第二章以長沙灣重建區的「兼善

文：肥力 還記得2019年曾特意赴高雄，觀賞鄭宗龍新作《毛月亮》*，其中不論猶如對自身肉體施虐的強烈舞動，Sigur Rós冷冽孤高的音樂，還有巨大裸體出現在屏幕，似在回應當年機械侵蝕人類生活的恐懼感，對我來說(當時的觀賞經驗)有將腦袋直接被擊到的衝擊感。當中的震撼也包括準備接任雲門藝術總監的鄭宗龍，有種稍稍改變過往團體婉約優雅的身體風格，急轉為深具原住民儀式性的野性慾望，令我心情久久不能平伏。 攝：康彥博 @ Moon 9 Image （照片由 西九文化區管理局 提供） 事隔七年，不論台灣及香港的生活已人事全非，同樣的舞蹈，於我而言有着「不可抗力的」異樣想像：包括LED螢幕上巨大、緩緩垂落的數位手臂與巨型眼眸，那些象徵人類膜拜手機及科技的寓言式語境，來到今天已是日常。螢幕，那怕是快要撐破舞台般的巨大裝置，已從過往被視為「介面」(Interface)，轉化為今天的「生態」(Ecology)。影像中巨型肢體所呈現的恐懼，也由向「機器神」祈求媒體與生活無止盡黏合的焦慮，化為今天真實地害怕「AI神明」無處不在的監控、假新聞、支配生活節奏的殘忍現實，一切

文：陳抒 「氣韻生動 • 旋而不息」——這八個字印在2026中華文化節舞蹈×多媒體作品《旋》電子場刊的扉頁上。演藝學院講師(中國舞)鄢小強與他的學生和同事，結合舞台自動追蹤系統、光雕投影與即時生成影像等技術創作，探索科技浪潮下，中國古典舞「氣韻」的內涵及其操作形式的變化。 攝：Carmen So（照片由 康樂及文化事務署 提供） 「氣韻生動」是傳統書畫理論的核心觀念，始自六朝南齊人物畫家謝赫《古畫品錄》「六法」之首，也是筆墨乃至詩歌創作的終極指導原則與品評標準。現代以降，西方美學觀念湧入，理論家重新思考中國藝術的觀念與準則，思考何為「氣韻生動」：「氣」，指線條整體流動的勢能與樣態；「韻」，則指流動中虛實相生而留有餘味，也可視作風韻、韻致的表現——是隱約的、暗示的，並非和盤托出。若以舞蹈的身體語言相比擬，肢體動作的變化：高低、上下、旋擰、進退，及其輕重緩急，帶出遒勁剛健或婉轉娟秀的姿態，是實的，為之「氣」；而姿態的連結，一呼一吸之間，情緒與能量在時間和空間中的綿延，是虛的，可感而不可見，是為「韻」。 攝：Carmen So （left）an

文：葉智仁 攝：Ken and Zoe of Showing Production （照片由 不加鎖舞踊館 提供） 不加鎖舞踊館主辦的「#非關舞蹈祭2026」於牛棚藝術村 1a Space展出《作福》及《蟲火》，並將場地轉化為展覽與演出交替共用的藝術空間。作為另類當代舞蹈節，「非關」一直以「不止於舞蹈」為策展理念，嘗試拓闊舞蹈的多媒介光譜。因此，評賞的重點應落在創作者如何以「身體為媒介」去進行跨界藝術探索，以及其所展現的實驗精神與創造力。 在當代藝術不斷思考舞蹈如何「不再只是舞蹈」的脈絡中，上半場香港編舞陳偉洛的《作福》以個人敘事結合視覺裝置與帶有角色扮演意味的行動，探討「好運」如何被育成。下半場菲律賓裔編舞Albert Garcia則透過《蟲火》的錄像與微縮景觀，建構出一種「情境知識」（situated knowledge）[1]，以研究導向的藝術實踐手段，追問弱勢者（無證人士或螢火蟲）如何在都市化進程中逐漸被抹除。 《作福》是一場關於「祈求好運」的身體考古 誠如陳偉洛所言，面對未知的將來，人們總希望追求美好的運程。生於香港、本科修讀建

文：葉智仁 第二屆香港國際莎劇節特設的「莎士比亞舞蹈劇場」單元 ，委約了兩部全新作品：廣州編舞吳卉與郭睿編創的《威廉的花園》，以及香港編舞曾稑宸與黎姀熹的《我們（不）是羅密歐與茱麗葉》。 兩者展現截然不同的劇場方向。前者洋溢遊戲感，舞者自由奔放的表演能力透過莎劇人物性情，以身體語彙描繪植物生長的奇幻律動。後者則不是改編《殉情記》[1]，而是直面感情枷鎖，呈現愛與恨的悲劇糾纏，帶領觀眾走入幻愛的消亡。這樣的演繹既是對威廉‧莎士比亞的致敬，也開拓了莎劇的新表達，醞釀出「舞不盡」的藝術靈感。 《威廉的花園》：以植物身體栽種莎劇 《威廉的花園》以莎翁筆下的植物為切入點，呼應吳卉近年對「生態性身體」的編舞探索，凸顯經典文本與舞蹈的互文關係。靈感雖源自奎利（Gerit Quealy）的《莎士比亞植物詩》[2]，作品卻進一步將植物隱喻化為舞者的身體律動。 黑盒場內，女聲吟唱孕育開場的萌芽律動，牽引紅、藍、黃、綠四色舞者的生長。舞者身上疏網紋衣飾勾勒枝椏蔓生的線條，或如花絮層疊，或似葉脈交錯。獨舞與群舞交替，細緻描繪不同植物體的生存策略，折射人際間愛

文：程天朗 「咚咚」兩字「形神俱備」。 既有無以名狀唯有以「東西」二字概括之意，也是《流離半空中》裡小念頭冒起時，腦海中「咚」一聲的覺醒；亦是以廣東歌入舞的《休息記》如籃球落地般乾脆沉穩的節拍。 兩個小品，一虛一實，各有主題，卻又互相呼應。《流離半空中》，輕飄飄，如仲夏紛飛半的棉絮；《休息記》則是一幅以廣東歌及身體拼貼出來光彩悅目的馬賽克畫，前者溫柔繾綣、後者活潑調皮，皆讓人看得心曠神怡。 一個作品的誕生可能源自一個小念頭，而作品中又會折射出創作人的情緒及喜好。我們看見在舞台上成形的作品，可能是思緒在創作人的腦海中連番激戰，幾經起跌，千迴百轉之後才成形。而《流離半空中》的編舞黃振邦(Bruce) 就是把虛無的創作過程實體化，就像電影「玩轉腦朋友」中不同情緒化身成性格鮮明的角色。這個作品正正是他的創作「心路歷程」，因此背景的躍動的心電圖實時呈現創作者的情緒，例如最激烈一場是電圖線變了紅色，台上舞者都全身激烈震動。 影片由 La Vene Studio 提供 念頭不是一開始就有，那個會開合、縮小擴張代表念頭的「小玩意」在作品中段才出現，同步還有半空

文：鄧蘭 香港芭蕾舞團(下稱：港芭)全新製作的《睡美人》有幾點很值得跟大家一談。 由國際編舞家馬拉科夫（Vladimir Malakhov）以其2000年版本(根據佩蒂巴版本/Marius Petipa)再加入新元素，成為港芭2026的新製作。筆者欣賞後，最為之深刻的是該作品重塑古典芭蕾的瑰麗堂皇，從佈景到服飾與陣容，都予人久違了的芭蕾之美，足觀矣。 早已跟港芭和馬拉科夫合作過的佈景和服裝設計師祖廸‧洛（Jordi Roig）再次打造出古典芭蕾舞碼的亮麗華美場景和回到舞劇的背境，讓觀眾投入到公主與王子童話故事中的浪漫色彩。特別提出這點，因為近年無論是芭蕾或歌劇，都多走向較簡約的現代風格場景設計，又或因資源關係，古典作品也少有切合原作的背景。就算是香港藝術節的節目，也不多看到華麗場面，而這些正正是古典芭蕾或歌劇的重要元素，本不該忽視，尤其大部份題材多圍繞宮廷、貴族的故事和人設。今次在一堂皇宮主佈景下加入不同裝置，配合燈光變化和錄像投影，呈現出製作上的吸引，王子拯救了公主的童夢也給了成年人代入感，那是較遙遠的人和事，如書中搬到舞台上，不用真實，也

文：葉智仁 《The Box 7.0 》既可作為年度獨立展演來評賞，也能置於歷史脈絡中審視。前者著眼成果高下，後者則關注發展過程中的「加、減、乘、除」，探索持續演變的街舞劇場，在創作盲點、雷區與隱匿寶藏之間，對不同背景的編舞、舞者與觀眾能引發何種理解。 上半場由三個短篇與一個委約本地編舞的中型作品構成；下半場則呈現海外導演與本地舞者共創的中篇。五個作品皆探問人的情感與情緒，透過動作及敘事，勾勒身體跟自身，或跨世代對話時的模樣。 自我慾望，如何釋放？ 羅曉昕的《前置》以紅藍對比展開，兩位女舞者雙足纏繞鮮紅布條，隨布而舞，既牽引亦束縛；另一舞者置身暗藍夜色，低語默寫，在孤獨中折射慾望與社會規範的拉扯。場景具視覺張力，也暗示心理矛盾。作品刻意減去街舞炫技語彙，單以街舞訓練的身體釋放情感。觀眾因此易陷迷思：當街舞劇場被現代舞語言吸收，是否逐漸失去特色？後設地看，這支舞隱喻了此情況，在紅與藍、束縛與釋放之間，創作雖美麗，卻模糊了街舞的「品牌」身份。 攝：Henry Wong @S2 Production（照片由 香港街舞發展總會 提供）...

文：鄧思寧 從藝術裏探討關係似乎是恆久不變的定律，無論是從自身或他者角度出發，於抽象表達中尋找以至創造聯繫都是常有的劇場「方程式」。《非日常》由張雨桐與李拓坤聯合編創而成，在常規的生活場景及物品堆砌中，以不尋常的方式解構人與物，以至人與人之間的關係牽絆，建構出一個古靈精怪的異世界空間。 非日常，顧名思義是脫離常規與「正軌」，亦可代表某種不確定性，或可進一步延伸至陌生與危險。作品以日常的生活必需品化作非日常用途，將無聊變有趣，猶如在乏味而理所當然的規條中尋找縫隙。編舞選擇運用大量傢俱例如木桌子、椅子、膠手套作為佈景，散落與重新組合以幻化成各種非常規的形象，由是脫離其本身的「用處」，例如以帽子與掃帚擬人化，形成一種如同稻草人般的存在。有趣的是，編舞刻意安排一段「玩樂」，近乎瘋癲的段落以呈現人與物之間的扭曲關係。舞者於反轉桌子的有限空間裏穿梭，不斷交換手中的物件進行互動，像是把噴壺當成啞鈴，騎上掃帚「飛翔」等等。觀看的過程中筆者不斷聯想到城市中人們的生活狀態，在空間異常狹窄的環境之中，那種被外物壓得動彈不得，於是唯有在有限的空間中尋找樂子自娛自樂的瞬間