文： 李淑嫻 西班牙國立舞劇院（Ballet Nacional de España）上次來香港表演已是2018年，睽違八年，於第54屆香港藝術節中再次獻藝，演出三場的《美麗的奧蒂羅》及兩場的《熱情的感召》。 《美麗的奧蒂羅》以十九世紀末著名的西班牙演員及舞者卡羅琳娜．奧蒂羅 (Carolina Otero) (1868-1965) 傳奇一生為藍本之大型舞劇。舞劇共兩幕，第一幕講述奧蒂羅幼年的遭遇及成名初期的經歷；第二幕呈現奧蒂羅多姿多彩的演藝事業及奢華放縱的生活，至最後年華逝去，孤獨終老。 上半場故事的「序幕」，是身穿大衣及帽子的年老奧蒂羅 (Maribel Gallardo飾) ，與穿著鄉村舞裙的年輕奧蒂羅 (Noelia Ruiz 飾) 一同手拿響板對跳，回憶過去。第二場「朝聖與哀悼」，慘遭強暴後的奧蒂羅與安慰她的神父共舞。第三場「織籃工人」的流浪藝團出現，奧蒂羅與吉卜賽初戀情人及舞者們隨著充滿節奏感的音樂起舞。第四場被情人捨棄的奧蒂羅，跟隨葡萄牙公爵觀賞《卡門》，這段戲中戲簡潔俐落，扮演卡門的舞者 (Inmaculada Salomón飾)

文：邱穎琳 在香港，共融劇場未必是觀眾最感興趣的演出，很多時候(去看共融劇場演出)都讓人有「支持親朋戚友」、「關懷弱勢社群」的印象，這或許包含了社會多層次的文化及理解差異。而由香港青年藝術協會創作的社區舞蹈黑盒劇場演出《共舞融影》，就讓我看見「不刻意的共融」。 這晚的黑盒劇場首先由粵語、英語、普通話及香港手語，四語場內守則展開，隨即換上各人共同構建的「維港全景圖」（Panorama），彷彿訴說著：「這個地方是屬於我們所有人的」、「這個地方是具有生命力的」。然後縮放至街道上的擦肩相遇，以及一些令人會心微笑的小片段。 來到這裡，看到的是城市裡有不同人存在與交集，沒有誰比誰突出，沒有誰先誰後，很美。 螢幕以第一身鏡頭穿梭都市，在實景音效帶領下，走過不同角落 － 首先是地鐵車廂，各人舞動身體走動和營造場景氛圍，看似稀鬆平常，仔細看下去，發現已經悄悄地描繪著一些心聲：原來在車廂交談並不是理所當然，聽障及聾人朋友需要圍著扶手才能好好看到手語，但總有未能留意或理解的乘客穿插其中，甚至面露不悅。這部份節拍輕快，其諧趣的編排和演繹讓我看到一種面對不同需要及立場的智

文：俞若玫 攝：Irene Chui（照片由「無限亮」提供） 共融藝術，最難的是「融」這個字，容易跌入表層，只是釋出善意接納，但未必做到創作主體平等，發揮多元感知，同時，推展藝術水平。今次「無限亮2026」請來香港舞蹈團與中國香港輪椅體育舞蹈運動協會合作的《遊延》，相當有意思，創作團隊從東方哲思入手，參考《莊子》〈德充符〉的「形不全者德充」及〈逍遙遊〉的「無待」，不把能力不同的人當「鏡子」，既不是抽象的他者符碼，也不是修身寓言，而是挑戰「正常」標準的同行藝術家，一起從思考的底部，去除多餘的悲憫，讓觀眾看見能力不一樣的朋友本身就是德之充，美所在。重中之重： 意向一致，成就一個創作共同體 。 是次演出在大館戶外廣場，時晴時雨（第一天演出兩場中一場因雨取消），觀眾四面進出，變數繁多，演出難度其實很高。但是，一個不完美的場域，似乎更能顯出一種從限制出發的力量：舞者、環境及觀眾如何在短暫時間裡共在。觀眾願意如何「在場」，選擇以什麼態度、什麼距離去看這些身體都很重要。換言之，共融不只發生在舞台上，也在每一個觀看的決定裡慢慢被實踐或被拒絕。

文：鄧蘭 香港舞蹈團在3月6至8 日上演了四場名為《跡》的演出，並以「細數（舞團）45年來扎根傳統，破格創新的藝術軌跡」作宣傳，相信無論是舞團的鐵粉或新窺者也具相當吸引力；節目包括七個舞團在2009 - 2024上演過的原創舞作，除了藝術總監楊雲濤，還選有黎海寧、謝茵及黄子翎的作品。約1小時40分的演出是否正如宣傳所說：「扎根傳統，破格創新的藝術軌跡」可能比每個作品的水平更值得探討，本文亦由此出發，希望從一個更宏觀的角度去審視香港舞蹈團的藝術軌跡。 觀眾對於節目評價兩極，有人認為少了傳統中國舞的色彩，也有回應說原來香港舞蹈團的節目沒有太多中國元素，反覺日後可以再捧場。要理解這兩個頗極端的反應，其實先要探討舞作的內容思想和外在表現形式。從內容思想看，其實七個選段幾乎全由中國文學、文間傳說或詩畫擷取靈感而來：黎海寧編的《紅樓‧夢未完》，以及楊雲濤編的《蘭陵‧入陣曲》和《傳說‧孟姜女》，都是從中國文學、小說或傳說中出發，《手帖‧卿佳不》(楊編) 則由書聖王羲之的手帖入題，《靜聽松風》(楊編) 跟《四季‧春初曉》(謝茵編) 則從中國山水和自然界為題，到了

文：葉智仁 攝： Carmen So（照片由 城市當代舞蹈團 提供） 在第五十四屆香港藝術節的舞台上，桑吉加的《空間間析》以冷峻的黑、白、灰為基調，將觀眾引入多重隱喻的光影世界。這部作品是城市當代舞蹈團 2025 至 2026 舞季的壓軸之作，安排在擁有逾500個座位、並強調藝術科技 (Art-Tech) 應用的東九文化中心劇院演出，承載著文化轉折的意涵。值得關注的是，它如何在舞台裝置與數位技藝的交織下，為編舞、表演者與觀眾的體驗帶來新的拓展。 光影間隙中的身體、個體與群體 演出起首及末段，後舞台區直射向觀眾席的強光多次出現。喚起都市夜晚光污染的煩躁和無法逃避的壓迫氛圍。然而，舞者的躍動並未被掩蓋，反而更凸顯人在環境變化中的柔韌性。舞者身影在強光中被切割、布幕後被模糊掉，甚至封印在虛擬世界時臉部被放大被凝視。一切，提醒觀眾在科技包圍下，肉身和投影，不論在虛抑或實之中，或兩者之間，體驗的輪流秩序都是衝突與和解的一個暫時停頓及持續反轉。 攝： Carmen So（照片由 城市當代舞蹈團 提供） 群舞段落尤為令人印象深刻。一人率先啟動動作，

文：李諒語 在古典世情小說中，《紅樓夢》無疑是最廣為人知的一部。相比之下，《金瓶梅》似乎失色不少，甚至受到八、九十年代影視改編作品的影響，人們總認為後者是一部猥褻齟齬的豔情小說，難登大雅之堂。然而，美國漢學家田曉菲女士卻有另一番見地：《金瓶梅》是一部嚴肅出色的作品，直面了人類慾望的各個面向。這或許亦是人們觀賞《金蓮解扣》後的想法。 《金蓮解扣》，假中環藝穗會奶庫演出，為本年藝穗節其中一齣表演節目。由盤彥燊編舞及演出，陳志江（一才鑼鼓）演唱南音及司奏秦琴，林葉負責敲擊樂。作品意念延續自盤、陳二人發表於西九文化區「自由舞2024：FIRST創作平台」的《金蓮》。三人分別以形體動作、南音說唱和傳統粵樂為媒介，拆解並重構潘金蓮此一經典人物的形象。 場地中央放著一雙椅子，一根木杆橫倚在椅背上。開始時，舞者身著一襲緊身黑旗袍，自斑駁的綠色木門內緩緩走出來，手握著長木杆。他赤足踮行於磁磚地板上，雙手輕輕擺弄木杆，好像行舟水上。接著，他將木杆放在椅背，走到窗旁，拾起團扇，慢慢起舞。隨後，他便走到椅前，坐下，以手腳劃出或大或小的弧圓，舞姿緩慢，有哀怨自憐之

文：Yumi Leung 作為羅智穎和何芳婷的首次自資創作演出，作品《belongs to …?》呈現出頗個人化和內在的質感。這是兩個身體的對話， 在空間的縫隙中，尋找身體的歸屬。兩位舞者的動作在拉扯的力、摩擦的力和撞擊的力中不斷轉換，似乎在展開一場對內外空間邊界的深度探問。 力的形塑與邊界拉扯 當兩位舞者被同一塊彈力布裹挾，在幽暗的劇場邊緣緩步移動，僅有窗外透入的微光勾勒出她們的身體輪廓。彈力布不僅是道具，更放大了她們身體製造的拖拉張力，使兩個軀體被迫縫合。她們的手指與腳趾在極限的延展中，更呈現出一種詭譎而迷人的異化感。 攝：Maximillian Cheng（ 照片由 何芳婷 提供） 這場名為「歸屬」的角力，究竟是力的始端還是末端？隨著一聲沈悶的撞擊，舞者羅智穎被重重地拋擲向牆壁，她被布裹著的身體，向上仰靠，配合被水覆蓋的背景聲效，引導觀眾墜入身體最隱秘的內部空間。 兩個身體的解構重置 作品巧妙地運用藝穗會賽馬會劇場空間，展開兩段風格各異的獨舞。舞者羅智穎與彈力布共舞，在燈光形塑的圓形中，重複穿衣與脫下的動作。在這個循環的空間意象裡，

文：Alysa Leung 這是一篇回應*，一篇回應演員在創作過程裡反覆「運動」—— 創作、訓練、嘗試、觀察、體驗後的分享。 Bonni 在（節目場刊上）「導演的話」裡，引述葛飾北齋的名言以道出「演員運動」的精神：「我畫，擦去，再畫，再擦去，然後一朵罌粟花綻放」。作為觀眾，我們得以在劇場裡看到的不是一個個作品，而是一個個創作過程，一班演員沉澱後，最真摯的分享。「過程為本」——之所以重要並不是因為表演者要展現自己什麼，而是回到最真實的自己，回應當下每個狀態。 而在後現代戲劇的語境中，「過程為本」（Process-Oriented），本來就將過程納入作品的一部分——一個作品如何成立，當中經歷了什麼，整個嘗試過程就是一份作品。而作為當代表演藝術家，在個人思考未來前路之前，可以好好整理自己的創作過程，然後再出發；同時，這一場「演員運動」也是一場集體的訓練，而發起人 Bonni 把這次「呈現」(Presentation) 稱之為「運動場」。 《演員運動呈現》包括了三個環節。其中，《奧賽羅》由凌文龍執導，以一個小小的段落，一個小小的謊言，揭示著無數的

文：程天朗 《黑點．紀元》舞劇是「綽舞場」主辦的「當代舞劇發展計劃」第三階段演出。三年努力的成果，除了為台下觀眾帶來一晚琳瑯滿目、目不暇給的演出，對台上的表演者來說則是一次難得的歷練。三年計劃旨在培育綜合能力表演者，由「讀劇」發展成舞台劇，再演變成今次的當代舞蹈劇場；來自不同表演界別的演出者都需要接受各種表演訓練，包括戲劇、形體、舞蹈等訓練。經過三個階段的演出，觀眾跟演出者也一起同行與成長。 平衡舞蹈與戲劇元素，華麗壯觀的大型群舞，似乎都是「綽舞場」作品的特色，這跟「綽舞場」兩位來自不同訓練背景的核心人物潘振濠與麥卓鴻有莫大的關係。另一方面，三年下來，計劃也建立了一定的觀眾群，既把劇場觀眾帶入當代舞的世界，也讓舞蹈觀眾感受戲劇的魅力，擴闊觀賞的視野。撇開這個演出好不好看，此計劃背後的意義已值得擊節讚賞。 照片由 綽舞場 提供 作品介紹上說，未來的人類皮膚上出現黑點方塊，即是現在無處不在的二維碼（QR CODE）。日常生活中愈來愈多操作以掃碼取代人手處理，不論節目場刊、活動資訊及報名、光顧食店時點餐及付費，「無人化」已逐步發展至不可逆轉的趨勢，

文：葉瑪 黃大徽《W.T.F》是西九單人表演藝術節的香港代表之一，他於香港表演藝術界亦是一個無可取代的異數。他的表演由實驗劇場開始，在跨界的概念幾乎未存在之前，持續構築游移於舞蹈界的框架邊緣，維持著知性、感受與想像之間微妙平衡的舞蹈／表演美學。《W.T.F.》是一個自傳式創作，整個演出只有一枱道具、講稿、及一把毫無特色的椅子，連現今演出幾乎是標準配備的投影都欠奉；大半時間黃大徽也幾乎沒離開過椅子，除了因應他講述的經歷作出展示特定動作，他就一直翻著講稿，直面觀眾說話。當然，他都出道超過三十年了，「當代表演」的概念亦已翻過幾轉，今天走進細盒看「黃大徽的作品」的觀眾，甚至可能有著看某種「經典的反舞蹈建制」的期待。而在此前提之下，是次《W.T.F.》的演出形式，說不定反而讓觀眾感覺太過四平八穩。 攝：Winnie Yeung @Visual Voices（照片由 西九文化區管理局 提供） 從《W.T.F.》的形式和舞台設置，觀眾可以很理所當然地將其歸類為一個「講述劇場」（Lecture Performance）作品。引述前進進戲劇工作坊於2024年製