文：葉智仁 第二屆香港國際莎劇節特設的「莎士比亞舞蹈劇場」單元 ，委約了兩部全新作品：廣州編舞吳卉與郭睿編創的《威廉的花園》，以及香港編舞曾稑宸與黎姀熹的《我們（不）是羅密歐與茱麗葉》。 兩者展現截然不同的劇場方向。前者洋溢遊戲感，舞者自由奔放的表演能力透過莎劇人物性情，以身體語彙描繪植物生長的奇幻律動。後者則不是改編《殉情記》[1]，而是直面感情枷鎖，呈現愛與恨的悲劇糾纏，帶領觀眾走入幻愛的消亡。這樣的演繹既是對威廉‧莎士比亞的致敬，也開拓了莎劇的新表達，醞釀出「舞不盡」的藝術靈感。 《威廉的花園》：以植物身體栽種莎劇 《威廉的花園》以莎翁筆下的植物為切入點，呼應吳卉近年對「生態性身體」的編舞探索，凸顯經典文本與舞蹈的互文關係。靈感雖源自奎利（Gerit Quealy）的《莎士比亞植物詩》[2]，作品卻進一步將植物隱喻化為舞者的身體律動。 黑盒場內，女聲吟唱孕育開場的萌芽律動，牽引紅、藍、黃、綠四色舞者的生長。舞者身上疏網紋衣飾勾勒枝椏蔓生的線條，或如花絮層疊，或似葉脈交錯。獨舞與群舞交替，細緻描繪不同植物體的生存策略，折射人際間愛

文：程天朗 「咚咚」兩字「形神俱備」。 既有無以名狀唯有以「東西」二字概括之意，也是《流離半空中》裡小念頭冒起時，腦海中「咚」一聲的覺醒；亦是以廣東歌入舞的《休息記》如籃球落地般乾脆沉穩的節拍。 兩個小品，一虛一實，各有主題，卻又互相呼應。《流離半空中》，輕飄飄，如仲夏紛飛半的棉絮；《休息記》則是一幅以廣東歌及身體拼貼出來光彩悅目的馬賽克畫，前者溫柔繾綣、後者活潑調皮，皆讓人看得心曠神怡。 一個作品的誕生可能源自一個小念頭，而作品中又會折射出創作人的情緒及喜好。我們看見在舞台上成形的作品，可能是思緒在創作人的腦海中連番激戰，幾經起跌，千迴百轉之後才成形。而《流離半空中》的編舞黃振邦(Bruce) 就是把虛無的創作過程實體化，就像電影「玩轉腦朋友」中不同情緒化身成性格鮮明的角色。這個作品正正是他的創作「心路歷程」，因此背景的躍動的心電圖實時呈現創作者的情緒，例如最激烈一場是電圖線變了紅色，台上舞者都全身激烈震動。 影片由 La Vene Studio 提供 念頭不是一開始就有，那個會開合、縮小擴張代表念頭的「小玩意」在作品中段才出現，同步還有半空

文：莫穎詩（Vinci） 照片由 Asia Butoh Gathering 提供 世界大亂，全球經濟緊張。也許你會歎說生活已好鞎難，還搞甚麼藝術? 藝術本來就不能跟生活完全脫離。這樣的生活，這樣的舞踏。 社會不景氣，小眾的舞踏要如何從逆流中找到其藝術經營或變革的空間? 源自日本的舞踏本就是在渾沌蕭條、滿目蒼夷的年代破繭而出。舞踏踩在二戰跟原爆之後的頹垣敗瓦及屍橫遍野之間，也能本著不死的精神讓其異於主流的美學或舞態成功在絕處創造自由開花的舞台。能團結起來就可聚力，能有野心亦才有動力開發。正因為舞踏人都有一份不想認命的叛逆，故「亞洲舞踏匯」(Asia Butoh Gathering)才會順勢誕生。2月初的三天，包含了亞洲舞踏圓桌會議； Hakutobu舞踏經典放映; 土方巽舞踏譜簡介；亞洲舞踏樹計劃簡介暨大師班舞踏友善淺嘗課 ; 白虎社八十年代亞洲舞踏巡演分享講座； 當代亞洲舞踏家內部身體交流工作坊；亞洲舞踏獨舞及跨代協作公演，來自台、港、日、泰、吉隆坡、印尼、星加坡、南韓，菲律賓等地不同派別、不同年齡層或不同世代的共同成就、支持和見證，不俗的口碑及

文：鄧蘭 香港芭蕾舞團(下稱：港芭)全新製作的《睡美人》有幾點很值得跟大家一談。 由國際編舞家馬拉科夫（Vladimir Malakhov）以其2000年版本(根據佩蒂巴版本/Marius Petipa)再加入新元素，成為港芭2026的新製作。筆者欣賞後，最為之深刻的是該作品重塑古典芭蕾的瑰麗堂皇，從佈景到服飾與陣容，都予人久違了的芭蕾之美，足觀矣。 早已跟港芭和馬拉科夫合作過的佈景和服裝設計師祖廸‧洛（Jordi Roig）再次打造出古典芭蕾舞碼的亮麗華美場景和回到舞劇的背境，讓觀眾投入到公主與王子童話故事中的浪漫色彩。特別提出這點，因為近年無論是芭蕾或歌劇，都多走向較簡約的現代風格場景設計，又或因資源關係，古典作品也少有切合原作的背景。就算是香港藝術節的節目，也不多看到華麗場面，而這些正正是古典芭蕾或歌劇的重要元素，本不該忽視，尤其大部份題材多圍繞宮廷、貴族的故事和人設。今次在一堂皇宮主佈景下加入不同裝置，配合燈光變化和錄像投影，呈現出製作上的吸引，王子拯救了公主的童夢也給了成年人代入感，那是較遙遠的人和事，如書中搬到舞台上，不用真實，也

文：葉智仁 《The Box 7.0 》既可作為年度獨立展演來評賞，也能置於歷史脈絡中審視。前者著眼成果高下，後者則關注發展過程中的「加、減、乘、除」，探索持續演變的街舞劇場，在創作盲點、雷區與隱匿寶藏之間，對不同背景的編舞、舞者與觀眾能引發何種理解。 上半場由三個短篇與一個委約本地編舞的中型作品構成；下半場則呈現海外導演與本地舞者共創的中篇。五個作品皆探問人的情感與情緒，透過動作及敘事，勾勒身體跟自身，或跨世代對話時的模樣。 自我慾望，如何釋放？ 羅曉昕的《前置》以紅藍對比展開，兩位女舞者雙足纏繞鮮紅布條，隨布而舞，既牽引亦束縛；另一舞者置身暗藍夜色，低語默寫，在孤獨中折射慾望與社會規範的拉扯。場景具視覺張力，也暗示心理矛盾。作品刻意減去街舞炫技語彙，單以街舞訓練的身體釋放情感。觀眾因此易陷迷思：當街舞劇場被現代舞語言吸收，是否逐漸失去特色？後設地看，這支舞隱喻了此情況，在紅與藍、束縛與釋放之間，創作雖美麗，卻模糊了街舞的「品牌」身份。 攝：Henry Wong @S2 Production（照片由 香港街舞發展總會 提供）...

文：鄧思寧 從藝術裏探討關係似乎是恆久不變的定律，無論是從自身或他者角度出發，於抽象表達中尋找以至創造聯繫都是常有的劇場「方程式」。《非日常》由張雨桐與李拓坤聯合編創而成，在常規的生活場景及物品堆砌中，以不尋常的方式解構人與物，以至人與人之間的關係牽絆，建構出一個古靈精怪的異世界空間。 非日常，顧名思義是脫離常規與「正軌」，亦可代表某種不確定性，或可進一步延伸至陌生與危險。作品以日常的生活必需品化作非日常用途，將無聊變有趣，猶如在乏味而理所當然的規條中尋找縫隙。編舞選擇運用大量傢俱例如木桌子、椅子、膠手套作為佈景，散落與重新組合以幻化成各種非常規的形象，由是脫離其本身的「用處」，例如以帽子與掃帚擬人化，形成一種如同稻草人般的存在。有趣的是，編舞刻意安排一段「玩樂」，近乎瘋癲的段落以呈現人與物之間的扭曲關係。舞者於反轉桌子的有限空間裏穿梭，不斷交換手中的物件進行互動，像是把噴壺當成啞鈴，騎上掃帚「飛翔」等等。觀看的過程中筆者不斷聯想到城市中人們的生活狀態，在空間異常狹窄的環境之中，那種被外物壓得動彈不得，於是唯有在有限的空間中尋找樂子自娛自樂的瞬間

Interviewer and Text: Natasha Rogai *This interview was originally conducted in Russian and translated into English. “From my earliest childhood, I knew it was my destiny to become a ballerina.” Elizaveta Kokoreva says, “I never even thought of there being any other path because I always loved to dance.” The Moscow-born 25-year-old made headlines in the ballet world in 2023 when she became the Bolshoi Ballet’s youngest ever principal (prima ballerina) at the age of 22. In

文：程天朗 有些事物走得太前，就無法定義；而人對於未知的東西，好奇中總帶點恐懼和抗拒，例如初次喝酒，或者去的士高跳舞。Just Keep hoofing Tap x hiphoparty (下簡稱 hiphoparty) 這個節目由入場那一刻到結束離場，我就像喝了那杯Welcome drink cocktail 後帶微醺的醉意，感覺輕鬆愉快。 Hiphoparty本身就是一杯以不同酒類混合的雞尾酒，賞心悅目，味道可口。若以酒比喻為一種舞蹈文化，這確是一個誘人的入門契機。 觀眾甫入場即獲發一張「員工卡」，可自行在近入口處的大檯上用顏料筆塗鴉，也可借用發光領帶。室內盡頭小舞台是飲品區及打碟區，背景寫著發光JUST KEEP HOOFING大字。「形館」化身成開放式辦公室，場地兩邊各有數塊白板及鏡面活動展板分隔為「舞台區域」，其中兩塊白板屏風後是設備齊全的「老細房」，「半身模特兒公仔」坐在大班椅上扮老細。入場人士拿了Welcome drink之後可自由在場內打卡，展板及白板上均有塗鴉，寫了打工仔心聲Tired 、「有汗出，無糧出」等。 攝：Sher

Text: Ian WY Leung, Jisun Park, Ahram Gwak and Akiko Takeshita The conversation surrounding dance and technology in East Asia has intensified in recent years, prompted in part by Hong Kong’s policy emphasis on “Art Tech” and its rapid expansion of digital performance infrastructure. When we look more specifically at choreographic practice, we observe a growing exploration of sensor-triggered interactive systems, generative AI, motion capture, augmented and virtual reality, a

Text: Alice Wong, Christy Koo, Felix Chan, Ian Leung, Michael Li, and Miu Law This article covers key points from a roundtable sharing session held on 28 February 2026 at the Eaton Club, Langham Place, by the Hong Kong Producers’ Network. The session featured six Hong Kong producers—Alice Wong, Christy Koo, Felix Chan, Ian Leung, Michael Li, and Miu Law—who participated last November in the Asian Producers’ Platform (APP) Camp, a nine-day peer exchange programme designed for