文：鄧蘭 香港芭蕾舞團(下稱：港芭)全新製作的《睡美人》有幾點很值得跟大家一談。 由國際編舞家馬拉科夫（Vladimir Malakhov）以其2000年版本(根據佩蒂巴版本/Marius Petipa)再加入新元素，成為港芭2026的新製作。筆者欣賞後，最為之深刻的是該作品重塑古典芭蕾的瑰麗堂皇，從佈景到服飾與陣容，都予人久違了的芭蕾之美，足觀矣。 早已跟港芭和馬拉科夫合作過的佈景和服裝設計師祖廸‧洛（Jordi Roig）再次打造出古典芭蕾舞碼的亮麗華美場景和回到舞劇的背境，讓觀眾投入到公主與王子童話故事中的浪漫色彩。特別提出這點，因為近年無論是芭蕾或歌劇，都多走向較簡約的現代風格場景設計，又或因資源關係，古典作品也少有切合原作的背景。就算是香港藝術節的節目，也不多看到華麗場面，而這些正正是古典芭蕾或歌劇的重要元素，本不該忽視，尤其大部份題材多圍繞宮廷、貴族的故事和人設。今次在一堂皇宮主佈景下加入不同裝置，配合燈光變化和錄像投影，呈現出製作上的吸引，王子拯救了公主的童夢也給了成年人代入感，那是較遙遠的人和事，如書中搬到舞台上，不用真實，也

文：葉智仁 《The Box 7.0 》既可作為年度獨立展演來評賞，也能置於歷史脈絡中審視。前者著眼成果高下，後者則關注發展過程中的「加、減、乘、除」，探索持續演變的街舞劇場，在創作盲點、雷區與隱匿寶藏之間，對不同背景的編舞、舞者與觀眾能引發何種理解。 上半場由三個短篇與一個委約本地編舞的中型作品構成；下半場則呈現海外導演與本地舞者共創的中篇。五個作品皆探問人的情感與情緒，透過動作及敘事，勾勒身體跟自身，或跨世代對話時的模樣。 自我慾望，如何釋放？ 羅曉昕的《前置》以紅藍對比展開，兩位女舞者雙足纏繞鮮紅布條，隨布而舞，既牽引亦束縛；另一舞者置身暗藍夜色，低語默寫，在孤獨中折射慾望與社會規範的拉扯。場景具視覺張力，也暗示心理矛盾。作品刻意減去街舞炫技語彙，單以街舞訓練的身體釋放情感。觀眾因此易陷迷思：當街舞劇場被現代舞語言吸收，是否逐漸失去特色？後設地看，這支舞隱喻了此情況，在紅與藍、束縛與釋放之間，創作雖美麗，卻模糊了街舞的「品牌」身份。 攝：Henry Wong @S2 Production（照片由 香港街舞發展總會 提供）...

文：鄧思寧 從藝術裏探討關係似乎是恆久不變的定律，無論是從自身或他者角度出發，於抽象表達中尋找以至創造聯繫都是常有的劇場「方程式」。《非日常》由張雨桐與李拓坤聯合編創而成，在常規的生活場景及物品堆砌中，以不尋常的方式解構人與物，以至人與人之間的關係牽絆，建構出一個古靈精怪的異世界空間。 非日常，顧名思義是脫離常規與「正軌」，亦可代表某種不確定性，或可進一步延伸至陌生與危險。作品以日常的生活必需品化作非日常用途，將無聊變有趣，猶如在乏味而理所當然的規條中尋找縫隙。編舞選擇運用大量傢俱例如木桌子、椅子、膠手套作為佈景，散落與重新組合以幻化成各種非常規的形象，由是脫離其本身的「用處」，例如以帽子與掃帚擬人化，形成一種如同稻草人般的存在。有趣的是，編舞刻意安排一段「玩樂」，近乎瘋癲的段落以呈現人與物之間的扭曲關係。舞者於反轉桌子的有限空間裏穿梭，不斷交換手中的物件進行互動，像是把噴壺當成啞鈴，騎上掃帚「飛翔」等等。觀看的過程中筆者不斷聯想到城市中人們的生活狀態，在空間異常狹窄的環境之中，那種被外物壓得動彈不得，於是唯有在有限的空間中尋找樂子自娛自樂的瞬間

Interviewer and Text: Natasha Rogai *This interview was originally conducted in Russian and translated into English. “From my earliest childhood, I knew it was my destiny to become a ballerina.” Elizaveta Kokoreva says, “I never even thought of there being any other path because I always loved to dance.” The Moscow-born 25-year-old made headlines in the ballet world in 2023 when she became the Bolshoi Ballet’s youngest ever principal (prima ballerina) at the age of 22. In

文：程天朗 有些事物走得太前，就無法定義；而人對於未知的東西，好奇中總帶點恐懼和抗拒，例如初次喝酒，或者去的士高跳舞。Just Keep hoofing Tap x hiphoparty (下簡稱 hiphoparty) 這個節目由入場那一刻到結束離場，我就像喝了那杯Welcome drink cocktail 後帶微醺的醉意，感覺輕鬆愉快。 Hiphoparty本身就是一杯以不同酒類混合的雞尾酒，賞心悅目，味道可口。若以酒比喻為一種舞蹈文化，這確是一個誘人的入門契機。 觀眾甫入場即獲發一張「員工卡」，可自行在近入口處的大檯上用顏料筆塗鴉，也可借用發光領帶。室內盡頭小舞台是飲品區及打碟區，背景寫著發光JUST KEEP HOOFING大字。「形館」化身成開放式辦公室，場地兩邊各有數塊白板及鏡面活動展板分隔為「舞台區域」，其中兩塊白板屏風後是設備齊全的「老細房」，「半身模特兒公仔」坐在大班椅上扮老細。入場人士拿了Welcome drink之後可自由在場內打卡，展板及白板上均有塗鴉，寫了打工仔心聲Tired 、「有汗出，無糧出」等。 攝：Sher

Text: Ian WY Leung, Jisun Park, Ahram Gwak and Akiko Takeshita The conversation surrounding dance and technology in East Asia has intensified in recent years, prompted in part by Hong Kong’s policy emphasis on “Art Tech” and its rapid expansion of digital performance infrastructure. When we look more specifically at choreographic practice, we observe a growing exploration of sensor-triggered interactive systems, generative AI, motion capture, augmented and virtual reality, a

Text: Alice Wong, Christy Koo, Felix Chan, Ian Leung, Michael Li, and Miu Law This article covers key points from a roundtable sharing session held on 28 February 2026 at the Eaton Club, Langham Place, by the Hong Kong Producers’ Network. The session featured six Hong Kong producers—Alice Wong, Christy Koo, Felix Chan, Ian Leung, Michael Li, and Miu Law—who participated last November in the Asian Producers’ Platform (APP) Camp, a nine-day peer exchange programme designed for

文：葉瑪 在粵語語境裡，「步步高」是吉祥語，是勵志歌歌名，代表傳統華人期望「步步向上攀升」的期許。大館表演藝術季「Spotlight 2026」編舞家二高（何其沃）新作命名為《步步高》，加上轉譯英文名「On The Up Grade」，把傳統的期盼並置於二十一世紀全球化的數位網絡之中。步步高升不再僅僅是地位升遷，而是一如手機軟件持續而默默進行，以兼容外在轉變的「自我版本更新」。 照片由 大館 提供 這是一個頗需要事前認知其創作脈絡的演出。在演出前一些訪問中，二高形容是次創作背後是一個田野過程，對象是廣州小北路一帶，混雜著非洲人、阿拉伯人等不同國族，前來中國尋找貿易商機的人。前中文大學人類學教授Gordon Mathews最廣為人知的研究，是於香港一幢重慶大廈看見「低端全球化」，他將其定義為「人與貨品在低資本投入和非正式（半合法或非法）交易下的跨國流動，常與發展中國家聯繫在一起 *1。」這種流動的中心點近年就移到廣州小北路，異鄉人們重複往返進行經濟活動的集合點，漸漸地又自成一個粗糙的、草根的、卻又極其鮮活的社區。 二高將田野考察所取得的，揉雜了不同

Text: Ivy Tsui Dance, to me, is an art of the present moment. Whenever I return to all ever-changing questions of ‘my relationship with dance’, understanding its past becomes a crucial pathway. It allows me to encounter and re-encounter dance anew and opens wider landscapes for me to dance in the future. Photo: Ivy Tsui I often think of dance as fire. It has no fixed form, yet it is intense and carries a luminous energy that can ignite human connection. As a person with a fi

Text: Victoria Hunter *This article was originally published in the Choreographic Practises. Hunter, V. (2019),‘Vernacular mapping: Site dance and embodied urban cartographies’, Choreographic Practices, 10:1, pp. 127–44, doi: 10.1386/chor.10.1.127_1 All photos are of Bodies in Urban Spaces, choreographed by Willi Dorner (Macau, 2025). Photos: Gonçalo Lobo Pinheiro (Provided by Babel Cultural Organization) Introduction In this article I explore the potential of site-based danc