文：陳抒 近來舞劇在國內大行其道，熱愛表演藝術的劇院常客（Theatre Goer）之間，把「爆款」舞劇如《詠春》、《永不消逝的電波》奉為極高級、極美的舞蹈劇場。筆者友人觀賞新製作的舞劇《牡丹亭》後盛讚：「那個小丫頭演得好活潑有趣，私塾先生把花偷偷撿起來插在鬢邊，這些細節讓人物好豐滿⋯⋯單為了舞台設計也要去看，從頭到尾陣陣白霧瀰漫，宛如仙境⋯⋯延展台上雙人舞可以看到很多技巧細節，你一定喜歡的。」年少時曾被《牡丹亭・驚夢》中「則為你如花美眷，似水流年」一句深深打動的我，自然不會錯過第54屆香港藝術節的閉幕演出舞劇《牡丹亭》。 此版《牡丹亭》兩幕各有亮點。三個小時的舞劇熱熱鬧鬧，台下幾乎滿座，台上機關設計、燈光轉換、霧氣繚繞未曾停歇。然而走出劇場，竟無先前觀看中國經典文學改編舞蹈劇場時的驚喜。相較之下，同樣以古典文學作為藍本，林懷民、胡陽、黎海寧的《九歌》，將楚地神祇轉化為極癲狂、詭奇的現代審美語彙；而楊雲濤受東方身體哲學啟發的《山水》；雲門的《行草三部曲》於呼吸動靜之間的酣暢淋漓，皆將中國傳統文化以當代的美學形式展現。以此為參照，更顯出《牡丹亭》舞

文：鄧蘭 第54屆香港藝術節的壓軸節目《牡丹亭》，由黎星、黄佳園導演及編舞，是國內近年火熱的一部舞劇之一。改編自明湯顯祖「臨川四夢」之一的《牡丹亭》，是筆者十分喜愛的曲本，歷年上演過不少崑曲版本外，也被唐滌生寫成粵劇。作為舞劇應為首次。因沒看過黎星的《紅樓夢》或其他作品，好奇加期待是這次觀看目的，主要想一睹其是否能以古典氛圍去演繹這文學經典，抑或走新派風格重新建構。結果看到兩者的融合，那是充分利用現代舞台技術和保留中國文化的古典美學特質。另外導演講故事的手法亦很突出，至於回歸到作為主體的舞蹈編排亦很亮眼。 照片由 香港 藝術節 提供 既然這是舞蹈作品，就先談談編舞。一齣「說情探愛」的故事，男女主角的獨舞和二人的雙人舞自是不少。胡捷飾演杜麗娘和羅昱文飾演柳夢梅，在卷一、二各自有多段獨舞。相對杜麗娘的幽閒深閨，柳夢梅這個書生多一點活力，尤其與老師陳最良或侍婢春香的部份。雙人舞中女主角在遇到男主角之前，多以直立身子為重心，膊胳的動作帶動全身，卻少有俯伏張腿的大動作。到了〈驚夢〉男女主角相遇到歡情及後〈幽溝〉的雙人舞，才見身子大幅活動和托舉姿勢，預示杜麗

文：Walter Chan 引言 不知道大家在香港參加舞蹈、瑜伽等課程時，男士是否通常隻影形單？部份身心活動參與的男同學不多，更有些課程是女士專場，鮮見男士專場。承蒙香港舞蹈聯盟邀請，筆者得以在，「再闖男天」*計劃舉辦的「男士舞動工作坊：動作與身體探索」。上一次「全男班」經驗，大概要數中學的體育堂了。印象中的體育堂都是打球、田徑等競技活動為主，與男士舞動會是甚麼體驗呢？ 當晚約有十四位參與者，年齡從三十多歲至六十多歲不等，其中不少是首次接觸舞蹈或即興律動的。與參加者聊天，得知他們有些已經參加「再闖男天」計劃近三年。計劃旨在為中年男性提供一系列活動，包括男士瑜伽班，支援他們的精神健康，而這次「男士舞動工作坊」，是該計劃首次舉辦的舞蹈活動，由舞盟協力支持，邀請香港舞蹈藝術家盤彥燊（Wayson Poon）帶領。藝術創作以外，盤氏致力設計推動社群身心健康的舞蹈課程，而這次也是他首次專門為全男性群體策劃工作坊，對他而言同樣是全新的體驗。故此筆者特別希望記錄這次工作坊中，在舞蹈的教與學中，男性社群對身心、藝術的探索，反思舞蹈對於精神健康、社群連結的意義。

文：程天朗 共融舞蹈是不同身份、身體能力的舞者同台演出，每個人在自身的限制中各展所長，就像動物園內身形姿態各異的動物一起跳舞，長頸鹿不用低頭，烏龜不需跳高，只要好好發揮所長。編舞的考驗則是如何編排得宜，讓各舞者在最合適的位置發光發亮。 《共舞融影》雖然是舞蹈節目，然而戲劇成份相當高，大部分章節都是以舞蹈去推進劇情，或以舞步營造情景，當然也有單純的舞蹈演出，有風景也有意境，例如城市序幕及最末的「共融的慶典」。 照片由 香港青年藝術協會 提供 每個人對地市有不同的想像，全體舞者參與的序幕舞曲就是一幅流動的城市風景，全體舞者一字排開，形成高樓林立的海岸線。三數人一組化成高低不同的高樓大廈，不同的走位組合展現人來人往的擠逼都市，舞者蹲下站立、姿勢轉換配合手臂曲直延伸，表達了高樓的興建與消失及城市面貌變遷。整個演出以聾人主角包包為軸心，她帶著相機紀錄城市的日常，並以手語解說她對於城市風景的盼望，一開始就提出城市印象除了高樓還有什麼？而這個舞蹈作品既是包包城市觀察的作業，也從個別段落帶出不同能力人士的需要被忽略的情況。 下一支舞蹈以循序漸進的形式展示人與人

文：俞若玫 科技分秒演進，人工智能已用在戰場上，工具理性與資本及權力強勢結合，守護人文與倫理價值更顯重要。今年3月8日，第八屆「無限亮」(‘No Limits 2026’) 於大館舉辦國際研討會，以「人文與科技——引領共融創新，重塑人類未來」為主題，邀請本地及國際共九個專業團隊，分享人文科技創新的實踐案例。這些實作顯示：科技創新不僅延伸身體機能、提升效率，更能重塑認知框架，改變設計思維，超越「健全中心主義」（ableism）的預設，拓展更深廣的「可及性」（accessibility），讓不同能力的人共享資源、知識、空間與表達機會，開展更多元的未來。 大會把九個團隊的實踐，分為三組：城市重塑、創作界面及共融生態。因篇幅有限，此文未能一一盡錄，但以「可及性」作為分享的框架，嘗試思考當中七個案例，如何以科技作為社會行動的工具，打開共融的未來面貌。 照片由 無限亮 提供 從健全主義到多元感觀設計：讓空間可及 對於不少殘疾及神經多元者來說，進入公共空間不是容易的事，簡單到公園沒有可坐下的椅子，或商場的旋轉門，都足以限制他們日常活動的空間。空間設計本

文：陳抒 她在舞台上旋轉 ——左右、右左、九十度、一百八十度、三百六十度——伴隨著雅克·布雷爾（Jacques Brel）經典香頌圓舞曲*的節拍，時而著寬大的灰色西裝外套，衣袂飄飄，時而赤身裸體，坦然示眾，這是一具脆弱衰老的女性身體，真實地抽搐、顫抖。與之相對的是另一名霹靂男舞者舞迅疾的空轉、平轉、以背部和頭部為支點的地面旋轉 ——年輕生猛，充滿爆發力。一男一女、一長一少、光影之間，日常生活動作和高度技巧性的舞蹈語彙不停切換之際，把旋律和歌詞中的情緒與能量具象化。這是一場真誠的演出，然就感染力、批判性、編舞形式的探索上來說，仍顯得耽湎有餘，力道不足。 攝： Anne Van Aerschot （照片由 香港藝術節 提供） 即使不諳法語的觀眾，也很難不被布雷爾音樂中強烈的意象和濃烈的詩意所觸動。歌詞裡，愛的絕望、卑微和心碎；一個比利時異鄉人在巴黎闖蕩的挫敗與自傲；對「平地之國」（Le plat pays）深沉的鄉愁；生命的喧囂與歡騰，死亡與暴力的陰霾——種種人生情境中的困頓，皆能引發強烈共鳴。他的法語歌詞創作出神入化：押韻、意象、語法結構，無

文： 李淑嫻 西班牙國立舞劇院（Ballet Nacional de España）上次來香港表演已是2018年，睽違八年，於第54屆香港藝術節中再次獻藝，演出三場的《美麗的奧蒂羅》及兩場的《熱情的感召》。 《美麗的奧蒂羅》以十九世紀末著名的西班牙演員及舞者卡羅琳娜．奧蒂羅 (Carolina Otero) (1868-1965) 傳奇一生為藍本之大型舞劇。舞劇共兩幕，第一幕講述奧蒂羅幼年的遭遇及成名初期的經歷；第二幕呈現奧蒂羅多姿多彩的演藝事業及奢華放縱的生活，至最後年華逝去，孤獨終老。 上半場故事的「序幕」，是身穿大衣及帽子的年老奧蒂羅 (Maribel Gallardo飾) ，與穿著鄉村舞裙的年輕奧蒂羅 (Noelia Ruiz 飾) 一同手拿響板對跳，回憶過去。第二場「朝聖與哀悼」，慘遭強暴後的奧蒂羅與安慰她的神父共舞。第三場「織籃工人」的流浪藝團出現，奧蒂羅與吉卜賽初戀情人及舞者們隨著充滿節奏感的音樂起舞。第四場被情人捨棄的奧蒂羅，跟隨葡萄牙公爵觀賞《卡門》，這段戲中戲簡潔俐落，扮演卡門的舞者 (Inmaculada Salomón飾)

文：邱穎琳 在香港，共融劇場未必是觀眾最感興趣的演出，很多時候(去看共融劇場演出)都讓人有「支持親朋戚友」、「關懷弱勢社群」的印象，這或許包含了社會多層次的文化及理解差異。而由香港青年藝術協會創作的社區舞蹈黑盒劇場演出《共舞融影》，就讓我看見「不刻意的共融」。 這晚的黑盒劇場首先由粵語、英語、普通話及香港手語，四語場內守則展開，隨即換上各人共同構建的「維港全景圖」（Panorama），彷彿訴說著：「這個地方是屬於我們所有人的」、「這個地方是具有生命力的」。然後縮放至街道上的擦肩相遇，以及一些令人會心微笑的小片段。 來到這裡，看到的是城市裡有不同人存在與交集，沒有誰比誰突出，沒有誰先誰後，很美。 螢幕以第一身鏡頭穿梭都市，在實景音效帶領下，走過不同角落 － 首先是地鐵車廂，各人舞動身體走動和營造場景氛圍，看似稀鬆平常，仔細看下去，發現已經悄悄地描繪著一些心聲：原來在車廂交談並不是理所當然，聽障及聾人朋友需要圍著扶手才能好好看到手語，但總有未能留意或理解的乘客穿插其中，甚至面露不悅。這部份節拍輕快，其諧趣的編排和演繹讓我看到一種面對不同需要及立場的智

文：俞若玫 攝：Irene Chui（照片由「無限亮」提供） 共融藝術，最難的是「融」這個字，容易跌入表層，只是釋出善意接納，但未必做到創作主體平等，發揮多元感知，同時，推展藝術水平。今次「無限亮2026」請來香港舞蹈團與中國香港輪椅體育舞蹈運動協會合作的《遊延》，相當有意思，創作團隊從東方哲思入手，參考《莊子》〈德充符〉的「形不全者德充」及〈逍遙遊〉的「無待」，不把能力不同的人當「鏡子」，既不是抽象的他者符碼，也不是修身寓言，而是挑戰「正常」標準的同行藝術家，一起從思考的底部，去除多餘的悲憫，讓觀眾看見能力不一樣的朋友本身就是德之充，美所在。重中之重： 意向一致，成就一個創作共同體 。 是次演出在大館戶外廣場，時晴時雨（第一天演出兩場中一場因雨取消），觀眾四面進出，變數繁多，演出難度其實很高。但是，一個不完美的場域，似乎更能顯出一種從限制出發的力量：舞者、環境及觀眾如何在短暫時間裡共在。觀眾願意如何「在場」，選擇以什麼態度、什麼距離去看這些身體都很重要。換言之，共融不只發生在舞台上，也在每一個觀看的決定裡慢慢被實踐或被拒絕。

文：鄧蘭 香港舞蹈團在3月6至8 日上演了四場名為《跡》的演出，並以「細數（舞團）45年來扎根傳統，破格創新的藝術軌跡」作宣傳，相信無論是舞團的鐵粉或新窺者也具相當吸引力；節目包括七個舞團在2009 - 2024上演過的原創舞作，除了藝術總監楊雲濤，還選有黎海寧、謝茵及黄子翎的作品。約1小時40分的演出是否正如宣傳所說：「扎根傳統，破格創新的藝術軌跡」可能比每個作品的水平更值得探討，本文亦由此出發，希望從一個更宏觀的角度去審視香港舞蹈團的藝術軌跡。 觀眾對於節目評價兩極，有人認為少了傳統中國舞的色彩，也有回應說原來香港舞蹈團的節目沒有太多中國元素，反覺日後可以再捧場。要理解這兩個頗極端的反應，其實先要探討舞作的內容思想和外在表現形式。從內容思想看，其實七個選段幾乎全由中國文學、文間傳說或詩畫擷取靈感而來：黎海寧編的《紅樓‧夢未完》，以及楊雲濤編的《蘭陵‧入陣曲》和《傳說‧孟姜女》，都是從中國文學、小說或傳說中出發，《手帖‧卿佳不》(楊編) 則由書聖王羲之的手帖入題，《靜聽松風》(楊編) 跟《四季‧春初曉》(謝茵編) 則從中國山水和自然界為題，到了