Going ‘BEYOND’ dance and ‘Bollywood’ 環亞舞略 Dance Curating in Asia 文：郭玟萱、何映彤 《邊緣．視角》My Life on the Fringe／攝 Photo: Karen Chow（照片由BEYOND Bollywood提供Photo provided by BEYOND Bollywood） 印度舞於2000年代初在香港冒頭，契機是瑜珈中心在本地嶄露頭角，印度舞作為「附帶」的課程之一開始為人所認知，很多印度舞導師也是在那個時候前來香港；然而多年過去，大眾對印度舞的認知仍然流於運動健身的層面，其承載的豐富的文化底蘊不被重視。BEYOND Bollywood（BB）是以教育及文化角度推廣印度舞的舞蹈團體，創辦人之一暨舞團項目總監Benis Cheng形容這是一個顛覆傳統的切入點。 BB成立於2015年，由四個來自不同背景的人創立，充分體現舞團「多元」的宗旨。BB不純粹是一個表演團體，更作為一個中介人的角色存在，連繫起不同的藝術團體，一路上不斷嘗試以不同概念、形式、合作模式去發展既深且

對談：李海燕（李）、董言（董） 主持：陳國慧（陳） 整理：江祈穎 舞後對談 Dialogue on Dance 「SWEAT 香港國際舞蹈節」（SWEAT）於2022年6月17日至25日網上舉行，由「跨藝 香港 2022」（ArtsCross）、「數碼國際舞蹈學院節」（IFDA）及「世界舞蹈聯盟環球高峰會」（WDAGS）三部分組成，《舞蹈手札》編輯部特約邀請李海燕（李）和董言（董）參與舞蹈節活動，並分享對整個舞蹈節的感受與想法。 李海燕和董言之舞後對談 / 攝：《舞蹈手札》編輯部 陳：SWEAT內容豐富，包含的節目亦相當多，以你們參與的經驗，是次舞蹈節能否聚焦到任何特定主題？ 李：WDAGS比較偏重學術方面，之前的WDAGS在學術報告以外還有表演，但這次移師至網上進行，沒有演出，需要擴大規模的話，若不夠資源和人手去策劃和排程節目，便能把較現成的項目組合起來。這亦無可厚非。其實單單要組合不同項目亦有很大的技術需求。 董：我是在不了解SWEAT定位的情況下參與的，整體感受完，我認為它是以舞蹈學科內部討論為中心，同時加入很多舞蹈作品展演的活動，因此，整

Lighting – dancing with the dancers —An Interview with Lighting Designer Leo Cheung 文：黃寶儀 《Nezha: Untold Solitude》<The Game>/ credit : Henry Wong@S2 Production (provided by Hong Kong Dance Company) 舞台是一個充滿開放性與可能性的空間。不論是個體抽象的內心世界，抑或具象的生活場景，皆可借舞台設計師之手再現台上。對舞台設計師王健偉而言，舞台不單是呈現作品主題的空間，同時也是探索自我與實驗構想的場域。 以生活體驗連結創作 舞蹈空間設計是一個自我詰問以及與舞作主題對話的過程。戲劇演出有劇本可依，佈景與舞台場景需配合與呈現文本書寫。然而，舞蹈創作起始於富有詮釋空間的概念，意念的成型乃依靠創作團隊以自身生活為養分，來探索與回應舞作主題。王健偉談到：「舞蹈創作是一個自我認識的過程。創作者通過自身生活狀態與舞蹈作品碰撞，並從中尋找與提煉出回應作品主題的方式。」...

文：Iris Lau 「小龍鳳舞蹈劇場實驗平台：傳統與當代藝術跨界對話」／攝: Snap_Shot_Sammy（照片由小龍鳳舞蹈劇場提供） 傳統與當代藝術，經常被放在對立的面向上討論，無論表達手法、觀眾接受程度，甚至乎所得到的認同與財政支援……傳統與當代藝術能否互相幫助，開拓新時代的另一種生存模式，或是如磁鐵兩極，永遠不可以互相靠近？ 「小龍鳳舞蹈劇場實驗平台：傳統與當代藝術跨界對話」初始研究為期一年半，筆者作為研究員，見證四位藝術家：當代舞藝術家馬師雅、岑智頤，及粵劇藝術家袁善婷、菊紫雲，與小龍鳳舞蹈劇場的藝術總監許俊傑，由對話開始，互相分享各自對其表演藝術界別的技巧、價值觀及美學。 很多時候，我們討論傳統與當代藝術時，也會談到兩者的呈現模式與技巧，因而把討論的焦點集中在兩個藝術媒介的限制與自由之上。 為甚麼傳統藝術被認為是傳統守舊？ 為甚麼當代藝術讓人感覺標奇立異？ 在自由之中如何找尋限制的意義？ 在限制之中為何找尋自由的必要？ 「小龍鳳舞蹈劇場實驗平台：傳統與當代藝術跨界對話」／攝: Maximillian Cheng @ moon9ima

Subtracting light to find your own language — A dialogue on the relationship between lighting and the body in dance performances 文：莫兆忠 九十年代剛參與劇場的時候，澳門表演藝術仍處於業餘性質，劇場分工並不明顯，導演常兼任燈光、佈景設計及舞台監督。隨著劇場愈來愈重視原創及專、職業化轉向，劇場設計才回到由專人負責，但燈光設計的概念卻又從何而來？近十年來，一批年青學子到香港、台灣等地修讀劇場技術、設計專業回澳，整個表演藝術生態、美學的追尋又呈現了另一種面貌，燈光、表演之間的關係又如何並行、對話？ 從「平衡」到「想像」 八十年代開始習舞的盧頌寧（下稱小寧）提到，燈光與舞蹈的關係一定在台上，但舞者總是在排練室的時間比在台上的長很多，而那時代可以讓學生上台的機會有限，一年大概只有一到兩次。一到台上，馬上就要適應很多事情，例如「燈光」，「第一次意識到燈光與身體的關係一定是平衡。」小寧說。燈光進入，觀眾席消失，意味著方向、空間感

文：黃寶儀 《仙履奇緣》／攝 : Conrad Dy-Liacco（照片由香港芭蕾舞團提供） 隆重盛大的舞會、浪漫的邂逅以及午夜零時失效的魔法，皆為《仙履奇緣》裡耳熟能詳的橋段。此一經典芭蕾舞劇經多次搬演、改編，其中不乏以華麗奪目的方式再現童話，或以大膽現實的新編重寫原著。香港芭蕾舞團在忠於原著的同時，加入教育導賞元素，使灰姑娘的尋夢旅程轉化成入門者初探芭蕾之旅。 拆解舞台魔法 仙姑帶領灰姑娘進入夢幻國度，而此作的說書人則引領觀眾走進古典芭蕾世界。說書人由扮演惡後母的翁演陞兼任，其以雙重身分遊走作品內外，為初次接觸芭蕾舞的觀眾提供講解。由芭蕾舞常見技巧，到舞台追光以及音樂運用，說書人點到即止地引領觀者欣賞舞台美學，並能維持演出的連貫性。在第二幕〈舞會裡〉，解說者哼唱華爾滋的節拍並略作說明後，便抽身離去。而灰姑娘與王子以及宮廷紳士、淑女隨即順著樂曲，以整齊劃一的群舞，演示華爾滋浪漫的特點。除了適時加入導賞元素外，此作亦能兼顧芭蕾愛好者的觀賞需要。不論是舞會裡小丑逗趣的獨舞，抑或灰姑娘連續不斷的腳尖旋轉，以及王子展現力量的多個跳躍動作，均沒有被敘述者

文：Maze Chan 《土壤承傳系列2022》／攝 : 康彥博Eric Hong（照片由新約舞流提供） 「一粒麥子不落在地裡死了，仍舊是一粒；若是死了，就結出許多子粒來。」（約翰福音12：24）新約舞流藝術總監周佩韻以此形容《土壤承傳系列2022》。周佩韻多年前作品《馨香》作為「落在地裡的麥子」，成為三位編舞今次創作的土壤，結出三段獨立的獨舞作品。 莫嫣《李婷炘》／攝 : 康彥博Eric Hong（照片由新約舞流提供） 莫嫣的《李婷炘》以一段舞者自白掀起「圓」產生的各種煩惱。前半段舞者努力回應編舞要求，但二人使用身體的方法以及對抽象概念的理解都差天共地，舞者幾近崩潰。在零音樂、純獨白下舞動了一段時間後，燈暗轉場，舞者換上黑長裙，隨音樂起舞，在觀者角度其實頗為突兀。突兀在前段與後段都不是隱喻難明的獨白，而是直接到不行的心情直述，突然跳入抽象並以情緒為主導的舞蹈段落，節奏錯落的過渡，令人摸不著頭腦，亦破壞了原本的敘事脈絡。若求跳脫思維，又未見任何身體或概念上的突變，形式上亦尋不著關連或反向扣問。或許簡單一點繼續著墨舞者身體和意念上的角力，作品意念會

文：葉瑪 《無風之域》／攝 : Ar Liu（照片由綽舞場提供） 《無風之域》上演次天颱風剛過，街上依然狂風陣陣，杳無人煙。有別於平日的繁囂，正好讓人準備心情，看綽舞場這個關於遊子乘風出行，卻迷失於無風之域，進退為難的故事。 《無風之域》／攝 : Ar Liu（照片由綽舞場提供） 演出的宣傳文案引用太宰治的文句清楚說明，創作人希望呈現遊子在路途起跌中的焦躁、孤獨和迷惘，猶如在一個死胡同裡迴轉的狀態。整場編舞營塑了個別的主要角色為主線，配合畫外一把男聲獨白反覆穿插其中，營造戲劇性的氛圍。 誠然，加入對白、文本的當代舞作在香港並不罕見，備受好評的例子卻實在不多。筆者隨人潮散場之際，聽見前方觀眾七情上面地向友人表達對這種處理的不滿，說的也是普遍情況下觀眾對舞蹈創作加入文字不感受落的原因——舞蹈本質上是一種非語言表達，藉著身體的律動以及舞台空間，向觀眾傳遞意象；創作人若運用大量文字作為媒介，才能在舞蹈中表達他的思想，那是編舞本身有不足，還是一種畫蛇添足？ 就《無風之域》而言，筆者亦感編舞的不同段落、角色和群舞的張力、所建構的畫面本已相當完整地將創作意念呈

文：蘇桔 「Open Field Vol.1」是不加鎖舞踊館《Unlock Body Lab：公開研習週》的展演。第一個作品《走走》，去年首演於現在音樂《Sonic Anchor #34》音樂會，以環境錄音、Google街景地圖、跑步機和跑者作為創作媒介。如果作品從音樂平台走到舞蹈平台，台下觀眾換了一批，帶著另一種眼光和觀賞經驗，這種變化會帶來甚麼樣的體驗？這引起了Unlock Body Lab 策劃人李偉能的好奇，於是邀請創作及表演者鄭雅茵（Yan）和孫禮賢（Larry）將《走走》帶上舞場。 鄭雅茵和孫禮賢《走走》／攝 : Vincent Yik（照片由不加鎖舞踊館提供） 《走走》——如何走？隨著Yan的食指在滑鼠上滑動，投影畫面由起初呈現的地球，慢慢聚焦至亞洲中的香港、新蒲崗、不加鎖舞踊館，再回到街上，往旺角方向前進。大部分時間，觀眾只見虛擬導航，聽電子遊戲音效，像在玩角色扮演遊戲。後來畫面顯示大角咀、深水埗，而本來坐在觀眾席前排中間、在Yan身邊控制音響的Larry，走上演區左後方的跑步機慢行，伴以街道現場的叫賣聲、音響器材店播音、車聲、交

文：葉智仁 《哥仔姐仔「躂」著火之踢親你男友》／攝 : 黃廸褀 Dicky Wong（照片由R&T (Rhythm & Tempo)提供） 從構思、命名到宣傳，《哥仔姐仔「躂」著火之踢親你男友》挾帶著2019年前作《哥仔姐仔「躂」著火》的掌聲作底氣，以2.0的姿態，繼續唱唱跳跳。這個作品不是打鐵趁熱推出的正宗續集，它沒有與前作同樣的人物或劇情，延續的是讓觀眾看了大呼過癮的昔日香港文化色彩，和映照自身的男女「對對碰」與撞。 與前作對比，舞台調度、佈景和燈光的調子都有不同。懷舊時光，從六十年代暢遊荔園、七十年代喇叭褲樂隊高唱《L-O-V-E》，延伸到嘲諷以書信發展筆友情的「假鳳痴龍」茶樓相睇、八十年代「one more two more」有氧健身操，再到九十年代的優皮（yuppie）小男人錯在出軌……配合串燒不同年代的流行樂曲，觀眾上了一堂充滿笑聲的本土文化轉變通識課之愛情篇。在演出效果上，跨越幾個年代的編排，擺脫了單純滑稽地模仿粵語片阿姐阿哥的老套。八位表演者在各場景穿梭扮演不同角色，以連串短劇，配合歌舞和笑料，帶給筆者的聯想，彷彿是電視綜藝節目《