文：程天朗 〈Cypher 2.0〉／攝 : Henry Wong（照片由香港街舞發展聯盟提供） 「街舞劇場發展計劃」由2019年第一屆發展至今已第三屆，回看當年舊文〈街道消失了，如何舞下去？—看《THE BOX - Street Style Lab》有感〉，無限唏噓；今時今日在限聚令與告票陰影下，街頭熱舞與圍觀者的掌聲歡呼成為絕響。大學校園不再對外開放，盛暑高溫下，舞者即使躲在公園一隅起舞，多少人願意戴著口罩駐足而觀？ 街舞節奏強勁快速；舞者隨節拍起動，旁觀者不由自主投入其中，是街舞的特點。當街舞不在街上，街舞文化如何承傳？其實坊間早已存在不少街舞的工作室，灑遍精力旺盛年輕舞者的汗水與淚水，街舞招式如locking、popping、housing等舞藝的承傳一直從未歇息；只是一般市民看到的機會愈來愈少。 舞蹈或任何藝術形式均隨著時間演變，不轉變就很難留傳，要繼續被看見是存在的條件。「街舞劇場發展計劃」可說是先知先覺，匯聚街舞同好，按部就班，把街舞帶進劇場甚至藝術殿堂。然而，街舞入劇場，是加法還是減法？是擴展街舞的天地還是讓其湮沒在藝術洪流裡？

文：陳瑋鑫 〈家父〉《一個人的哪吒》／攝 : Henry Wong@S2 Production（照片由香港舞蹈團提供） 香港舞蹈團藝術總監楊雲濤的最新作品《一個人的哪吒》，選來家傳戶曉的中國古代神話人物哪吒作為主角，精彩地結合舞蹈及劇場科藝與不同舞台元素，去重述哪吒的出生與再生、犯錯與承擔，整體演出效果相當好，故事內容也值得深思。 哪吒 雖然導演及編舞楊雲濤在演前分享中提到，這次創作他沒有刻意要說一個完整連貫的故事，而是抽取了發生在哪吒這個人物身上的一些重要情節片段，立體地呈現哪吒這一個人，但綜觀全劇發展，我倒覺得結構清晰之餘，敘事也頗為清晰。從〈破土〉出生，在〈跑動〉中成長，於〈鬥耍〉時闖禍，到面對〈家父〉自我犧牲，經〈蓮生〉輪迴再世，把哪吒這一個人的故事有條不紊地演繹出來。 縱使今次舞劇用上了全男班舞者共同創作演出，但卻未見刻意加入炫技的肢體舞動、陽剛的武打設計。即使用上吊威也的段落，也是以畫面先行，而非用作輔助高難度的飛躍扭打。飾演哪吒的王志昇，亦沒有挪用過往不少影視創作中哪吒的孩兒形象，反而只聚焦其愛玩與天真的性格，所以演來更像一位不知天

文：《舞蹈手札》編輯部 9月至10月於西九文化區藝術公園自由空間上演的「Phygital D」-- physical + digital，匯聚本地和來自亞洲的舞蹈藝術家，包括梅田宏明、譚之卓、曾翠珊、陸揚和陳偉洛，聚焦一系列舞蹈和數碼科技的創作，大量運用多媒體裝置、動態捕捉、虛擬實境（VR）體驗及數碼影像等技術，帶給觀眾置身自由空間又同時遊歷虛擬世界的舞蹈體驗。 提起梅田宏明（Hiroaki Umeda），相信大家對這位日本跨界藝術家的創作耳熟能詳。他擅長以感官、動作與空間演繹和數碼技術應用等概念，探索與觀眾溝通的另類形式，挑戰舞蹈空間的界限。今次於「梅田密語—梅田宏明裝置作品展覽」，把三個不同時期的裝置作品同場展覽，讓觀眾一探當代其中一位最重要的跨界藝術家十年創作思路。 「梅田密語—梅田宏明裝置作品展覽」 《觸不暇給》（2010）裝置延續舞蹈版本（2008）中「顏色作為一種觸覺刺激」的想像，觀眾將置身漆黑空間，閉上眼睛「觀看」兩分半鐘的影像，配合由現場提供的耳機所播放的強勁電子音樂，探索顏色的「觸感」和將視覺感官（色彩）轉化成身體的體驗。《動態

字／舞 CHOREO-WORD-GRAPHY 《這地方》（2014） THIS PLACE (2014) 文：徐奕婕 == 徐奕婕 香港獨立舞蹈藝術家，2019年開始以即興文字方式回應舞蹈作品，思考舞評以外的紀錄和回應的可能性，好奇由舞蹈身體延伸的文字與觀看經驗之間多次創作的來回推進關係。2022年聚焦動態錄像 Moving Image，思考文字及影像如何成為身體的延伸，穿梭或虛擬或真實的世界。 《這地方》（2014） THIS PLACE (2014) 導演 Camera and Edit：Becky Edmunds 合作夥伴 Collaborate：Gill Clarke 聲音設計 Sound：Scott Smith 觀看短片：https://vimeo.com/79901372

文：舞蹈手札編輯部 全球疫情令藝術文化活動停擺不斷，跨境藝術家交流、製作和巡演更似遙不可及。於此，業界嘗試構建不同模式的國際文化交流，不再局限於固有想像，多元藝術生態逐漸成形。 由香港藝術行政人員協會 (HKAAA) 主辦，為期三天的第十二屆文化領袖論壇將於8月17-19日...

文︰張小曼 與《馴悍記》編舞周佩韻和林俊浩之訪談／攝：舞蹈手札編輯部 訪問其中一個最深刻的畫面，當周佩韻叫林俊浩答問題，林俊浩就回道「這個就是taming（馴服）！」《馴悍記》的兩位編舞，笑著分享他們現時的對話常提及「馴服」一字。兩人一起編舞，互相「馴服」，希望可以找到彼此...

文：葉瑪 舞蹈線上交流工作坊Museum of Human Emotions 2021／照片由西九文化區和陳偉洛提供 近年國際流行合辦藝術家交流，當疫情使出入境受到重重限制，那些跨地域交流亦紛紛轉至線上。然而，舞蹈作為一種十分依賴舞者實時實地的身體交流的表演藝術，轉成非在場的溝通又是否依然有效？ 筆者 數月前以文字紀錄者身分，參與了西九文化區自由空間與法國、意大利、日本、台灣的舞蹈機構合辦國際創意交流計劃「Museum of Human Emotions」（MoHE）。面對工作坊不得不以線上形式進行的掣肘，2021年度交流計劃乾脆將關鍵詞設定為「空間」，再將整個計劃由慣常的密集式多天交流，分拆成每月一至兩回的工作坊；各地區的藝術家可先計劃內容，再透過網上會議工具聚首。 空間是舞蹈藝術的根本，舞者透過特定空間內不同方向、程度、範圍的動作，傳遞感受與想像，形成舞蹈語言，但空間的建築、環境設置，背後的時代、社會、文化脈絡，也會影響在場者的感受和狀態。想像一下，當你走進開幕不到四年的高雄衛武營國家藝術文化中心，排練室視野開闊，窗外綠意盎然；相較於香港

From design sketches on paper to stunning costumes on stage: An interview with Joanne Chong, Hong Kong Ballet Director of Wardrobe 訪問、撰文：葉懿雯 香港芭蕾舞團（港芭）《胡桃夾子》（2021）榮獲本屆香港舞蹈年獎「傑出舞台及服裝設計」。這次邀請到港芭服裝部總監莊惠玲（Joanne）進行訪談，讓我們一窺劇中240套手工戲服背後的故事，感受把紙上的抽象設計變成台上的華麗服飾的魔法魅力。 一切從三年多前開始。藝術總監衛承天（Septime Webre）構思出新版《胡桃夾子》的故事大綱，邀請捷克設計師布里埃拉．季列索娃（Gabriela Tylesova）負責佈景及服裝設計，區宇剛為執行設計。為切合這次糅合本土元素的改編，設計師和Joanne帶領的服裝部搜集大量香港本土文化和動植物的資料，研究中國不同年代的服飾細節、配色和圖案，從中尋找服裝設計的靈感。 莊惠玲與衛承天討論老鼠服裝細節 Joanne and Septi

文：陳國慧 與李峰之訪問照／攝：陳國慧 「舞台上的『道具』，其實就是舞者的身體。」香港演藝學院（演藝學院）舞台設計系副主任及高級講師（設計）李峰（Bacchus）一語道出服裝的設計，如何透過表演者的演繹體現舞蹈作品的精神。當服裝是舞者身體的延伸，設計如何體現表演的意象就很重要。1990年在演藝學院畢業後曾在中英劇團擔任駐團設計師的他，回想起在劇團內工作的日子時仍然記憶猶新，加上曾經參與過不少香港舞蹈團製作，與很多經驗豐富的服裝主管和製作者合作，Bacchus說很多時從他們身上學到很多實務的東西。種種前線的觀察和經驗的累計，讓他在教學上也更能掌握學生所需。 從設計戲劇作品的服裝開始，這也是Bacchus的學習歷程。他說當時在演藝學院任教的大部分是外籍老師，而那時候在演藝學院的學習過程，舞蹈製作鮮會放入在習作內；可能是因為剛好有相關作品而學生要參與，老師才有機會講解在設計舞蹈服裝時要留意的地方。後來Bacchus回到母校任教，學院在設計的教學策略上已有變化，會有系統地讓學生參與舞蹈學院的製作：「在主修課中會加入一個舞蹈的主題，而學習設計的學生會

Looking back over the history of the wardrobe department of City Contemporary Dance Company in conversation with Wardrobe Manager Linda Lee 受訪：李慧娥 訪問：董言 服裝是舞蹈演出不可或缺的一部分，但是服裝部在香港舞蹈界並不是一個常見的設置，除去三個由政府主要資助的舞團外，其他團體並沒有足夠資源建立一個相關部門。服裝部由甚麼人組成？它怎樣發展？實際運行又如何？這些對於舞團之外的觀眾、藝術家、研究者、教育者來說，都是值得挖掘的「秘密」；而每個舞團的服裝部又各具特色，從業者不同的工作與生活，則需要花更多工夫去了解。本文節錄自筆者與城市當代舞蹈團（CCDC）現任服裝經理李慧娥（Linda）的對話，她領導該部門已超過三十餘年，對話的主題集中在CCDC服裝部的沿革和組織。為了方便讀者閱讀，文章將一部分白話轉錄為書面語；文章盡量保留訪談雙方的言說邏輯，但仍有字句上的篩選。括號中的內容分為兩種：一是英文翻譯，二是作內容之補