文：陳國慧 與李峰之訪問照／攝：陳國慧 「舞台上的『道具』，其實就是舞者的身體。」香港演藝學院（演藝學院）舞台設計系副主任及高級講師（設計）李峰（Bacchus）一語道出服裝的設計，如何透過表演者的演繹體現舞蹈作品的精神。當服裝是舞者身體的延伸，設計如何體現表演的意象就很重要。1990年在演藝學院畢業後曾在中英劇團擔任駐團設計師的他，回想起在劇團內工作的日子時仍然記憶猶新，加上曾經參與過不少香港舞蹈團製作，與很多經驗豐富的服裝主管和製作者合作，Bacchus說很多時從他們身上學到很多實務的東西。種種前線的觀察和經驗的累計，讓他在教學上也更能掌握學生所需。 從設計戲劇作品的服裝開始，這也是Bacchus的學習歷程。他說當時在演藝學院任教的大部分是外籍老師，而那時候在演藝學院的學習過程，舞蹈製作鮮會放入在習作內；可能是因為剛好有相關作品而學生要參與，老師才有機會講解在設計舞蹈服裝時要留意的地方。後來Bacchus回到母校任教，學院在設計的教學策略上已有變化，會有系統地讓學生參與舞蹈學院的製作：「在主修課中會加入一個舞蹈的主題，而學習設計的學生會

Looking back over the history of the wardrobe department of City Contemporary Dance Company in conversation with Wardrobe Manager Linda Lee 受訪：李慧娥 訪問：董言 服裝是舞蹈演出不可或缺的一部分，但是服裝部在香港舞蹈界並不是一個常見的設置，除去三個由政府主要資助的舞團外，其他團體並沒有足夠資源建立一個相關部門。服裝部由甚麼人組成？它怎樣發展？實際運行又如何？這些對於舞團之外的觀眾、藝術家、研究者、教育者來說，都是值得挖掘的「秘密」；而每個舞團的服裝部又各具特色，從業者不同的工作與生活，則需要花更多工夫去了解。本文節錄自筆者與城市當代舞蹈團（CCDC）現任服裝經理李慧娥（Linda）的對話，她領導該部門已超過三十餘年，對話的主題集中在CCDC服裝部的沿革和組織。為了方便讀者閱讀，文章將一部分白話轉錄為書面語；文章盡量保留訪談雙方的言說邏輯，但仍有字句上的篩選。括號中的內容分為兩種：一是英文翻譯，二是作內容之補

Using visual language to enhance the dancer’s body– An interview with Costume Designers Yoki Lai and Cindy Ho 文：黃寶儀 對服裝設計師而言，服裝在舞蹈作品中扮演甚麼角色？資深服裝設計師賴妙芝與何珮姍不約而同指出，服裝為舞者身體的延伸，同時亦為編舞抽象意念的具象化身。服裝看似是演出的細枝末節，但卻是構成舞作整體性的重要一環。 《六人五作》five(by)six／照片由賴妙芝提供 Photo provided by Yoki Lai 環環相扣的紐帶 舞蹈純然依靠舞者身體表意，舞蹈無法以口言說之處，服裝造型能作無言的說明。「設計師與舞者關係密切。他們會提出自己的需要，也會提議如何讓服裝更有效地表意。」賴妙芝點出服裝的功能在於協助舞者述說。她以正在參與製作的一個演出為例，在該作中表演者需借助服裝放大拍打肉身的聲音。經反覆試驗以及聽取舞者反饋後，她最終選用質料輕薄、不礙舞者行動的EVA（ethylene-vinyl acetate，具有彈性的膠膜

Let Music Be Seen and Dance Be Heard: An interview with Kim Jaeduk, Korean choreographer and composer 文：陳國慧 韓國舞蹈網誌（Dance Webzine）在2022年第一卷149期，刊登了舞蹈評論家金彩鉉評鑑韓國魔童之桌現代舞團（Modern Table Contemporary Dance Company）在2021年3月於首爾西江大學瑪麗堂大劇院演出的最新作品《Ham:beth》。作品貫徹很多過去舞團製作的模式，由近年得到不少海外藝術節青睞的舞團藝術總監金在德擔任編舞和音樂創作，他自己亦參與了現場音樂奏唱的角色。 金在德的多才多藝在亞洲新一代編舞來說是很獨特的，金彩鉉甚至在文章中認為這種集「編舞、歌手、作家和舞者」於一身的創作人，在國際間是罕有的，但他一直在不同角色之間保持平衡。據金彩鉉講述，在韓國本土和海外上演多次、首演於2006年的《Darkness Poomba》有令人想重複觀看的吸引力。作品開首，兩位舞者的角力在低沉的弦樂聲與俐落的

Music and Dance: Interviews with Music Creators Dickson Dee and Leung Po-wing 文：蔡嘉雯 《那一年．這一天》As If To Nothing／攝 Photo：Conrado Dy Liaco（照片由城市當代舞蹈團提供 Photo provided by City Contemporary Dance Company） 音樂與聲音，在舞蹈創作的角色很是微妙：有人會覺得最理想的狀態是恍如「聽不到」樂音，讓兩者與其他舞台元素有機共存；但有些音樂卻是舞作概念呈現的重要構成。到底音樂人與音樂，是怎樣介入舞蹈表演？音樂在舞蹈創作中如何被「聽見」？資深音樂人李勁松（Dickson Dee）活躍於世界實驗音樂圈，風格多樣而創作形式多變，他笑言甚麼音樂類型都聽，並會找到自己喜歡的角度。 當音樂遇上舞蹈 李勁松曾參與多部舞蹈作品的配樂創作，訪問中提及的包括桑吉加的《煙花．冷》、《那一年．這一天》、劉琦的《臨池舞墨》、侯瑩的《Burning》等，而最近則是與桑吉加合作《停格中的塑像》，將20

On the freedom born from a new kind of encounter between dance and music 文：白斐嵐 《混沌身響》第二季 第一番：劉奕伶 × 曾增譯Primal Chaos – Dance × Sound Improvisation Season 2 Episode 1: Liu Yi-Ling × Mike Tseng／照片由驫舞劇場提供 Photo provided by HORSE 當代舞想要從音樂脫離，確立自身獨立存在的藝術形式，而這種自立自強的渴望，也讓當代舞不再視律動為時間組織的原則。這是很奇特也很令人欣喜的扭轉。在這世界上，大部分的人都是跟著節拍跳舞的。 ——強納森．布洛斯《編舞筆記》[1] 過去這幾年，我的人生有一大樂趣，是來到驫舞劇場偏僻的鐵皮屋排練場[2]，如盲目約會般開箱一系列名為《混沌身響》的即興演出。 當然，盲目約會指的是演出者，並不是我。這是《混沌身響》的核心精神，在驫舞劇場總監陳武康與即興鋼琴家李世揚的策劃下，將來自舞蹈與音樂／聲音藝術背景的演出者隨機配對

Dance in Alternative Spaces—Embracing the “Uncontrollable” 文：尉瑋 近年來，越來越多舞者嘗試在另類空間中進行演出，博物館、咖啡廳、畫廊、戶外廣場等空間為表演賦予不同質感。舞者廖月敏與陳偉洛就對探索新空間樂此不疲，曾參與多個不同空間的舞蹈製作。對他們二人來說，如果說劇場是精密設計的夢幻空間，那選擇另類空間則似是試圖打破這種「盡在掌握」。 《Snark》（策劃：Andre Chan; 編舞／演出：廖月敏） Snark (Curator: Andre Chan; Choreographer / Performer: Sudhee Liao) ／攝Photo：South Ho（照片由廖月敏提供 Photo provided by Sudhee Liao） 空間賦予作品不同質感 對於廖來說，選擇另類空間進行演出，首先是成本低。劇院場租不菲，排期又長，選擇另類空間給藝術家帶來更多靈活性。其次，不同的空間質感也為創作注入更多靈感。「我比較喜歡不是在劇院做，而是在畫廊，或者是其他特定場域，因為有多些東西

The Challenges and Fun of Performing in Alternative Spaces – An Interview with Local Contemporary Dance Group TS Crew 文：格子 《紗紗滾》Spinning／照片由TS CREW提供 Photo provided by TS CREW 疫症肆虐差不多兩年，直接影響了觀眾入場觀賞演出和藝團收入，表演業界即時轉戰網上直播或錄像模式，同時尋找更多正規場地以外的公共空間演出。其實任何地方也可以是舞台，博物館、咖啡店、公園、商場、工廠、廟宇等等，非傳統空間的挑戰與玩味有時比室內更酷更好玩。很多時候藝術家與觀眾的即興情感互動，會意外地吸引不曾和不常買票入場的觀眾群，使他們對藝術產生興趣，拉近藝術家、作品和群眾的距離。 TS Crew的本土文化極限武術（Tricking） 今次專訪本地舞蹈形體藝術團隊TS Crew（鐵仕製作），找來了藝術總監曹德寶（Hugh）、副總監伍仲偉（Steve）和舞團經理盧君亮（Andy），一齊探討另類空間演出的多樣性與

文︰肥力 2015年曾參與荷蘭藝術節，茫然不知地走進碩大的阿姆斯特丹市立博物館（Stedelijk Museum)，誤打誤撞地在其中一層走進Tino Sehgal作品《如此變奏》（This Variation）的房間，在漆黑的世界裡逐漸撐開瞳孔，隱身於黑色的角落，聽著看著表演者的歌聲與舞步，也看到入口光源處多少觀眾好奇，最初是戰戰競競摸黑進內，及最後仍能放開懷抱，有些人如我一樣安坐一旁，有些更走出來一起跳舞，表演者與觀眾融合起來，利用一起交流的觸感，滋潤了那個只有丁點餘光的世界，就這樣不知不覺就過了一個多小時，是個很美好的時光。 事隔六年，我再次在大館的賽馬會藝方中看到這個作品，此一時彼一時，地域及政局不同，時間及世界劇變，即便是同一個追求與人互動，探索人面對黑暗，用最純樸的方式了解交流意義的作品，卻給予我另一番完全不同的滋味。 究竟香港當下的現況，對Sehgal及其作品帶來多大衝擊？看過演出之後，我腦中一直徘徊這個提問。原因是，與其說Sehgal的作品是打破表演與展覽，遊戲與舞蹈的關係，更準確的說法可能是將表演者與觀眾的距離越趨貼近，但仍保留如

Mocap Experiment: An Agile Way to Explore Virtual Dance 文：譚之卓 關鍵詞：動作捕捉、⾝體、去軀體化、實驗、感知、虛擬現實、虛擬舞蹈、實時表演 實驗的動機 我的動作捕捉（mocap，下稱：動捕）實驗是測驗物理和虛擬現實中的動覺意識及本體感覺，在實踐中使環境的無形维度變得可感知。主要透過編創虛擬舞蹈，探索「身體與技術之間的互動」將如何為創作者和觀眾產生對現實的感知。 我從好奇甚麼是「虛擬身體的在場」（the presence of virtual bodies）開始。對舞蹈x技術領域的濃厚興趣促使我於2020年2⽉參與了由城市當代舞蹈團組織的網路駐留計劃，與國際藝術家在線合作。隨後我編排與跳《渡》探究真實與虛擬的邊界，運用頭戴式顯示設備來帶觀眾及舞伴進入想像的世界，曾以PCVR版本及劇場形式呈現。2020年12月我加入Eugenia Kim組織的Leonardo21藝術研究駐地，發起一系列實踐包括mocap-ing、設計虛擬現實世界、與跨學科學者進行討論等。 在技術的硬件越來越先進、軟件及內容