From design sketches on paper to stunning costumes on stage: An interview with Joanne Chong, Hong Kong Ballet Director of Wardrobe 訪問、撰文：葉懿雯 香港芭蕾舞團（港芭）《胡桃夾子》（2021）榮獲本屆香港舞蹈年獎「傑出舞台及服裝設計」。這次邀請到港芭服裝部總監莊惠玲（Joanne）進行訪談，讓我們一窺劇中240套手工戲服背後的故事，感受把紙上的抽象設計變成台上的華麗服飾的魔法魅力。 一切從三年多前開始。藝術總監衛承天（Septime Webre）構思出新版《胡桃夾子》的故事大綱，邀請捷克設計師布里埃拉．季列索娃（Gabriela Tylesova）負責佈景及服裝設計，區宇剛為執行設計。為切合這次糅合本土元素的改編，設計師和Joanne帶領的服裝部搜集大量香港本土文化和動植物的資料，研究中國不同年代的服飾細節、配色和圖案，從中尋找服裝設計的靈感。 莊惠玲與衛承天討論老鼠服裝細節 Joanne and Septi

文Text： 岑智頤 Henry Shum / 郭慧芸 Vivian Kwok / 樂知靄 Shirley Lok / Uday Sathala / 張月娥 Karen Cheung / 盧君亮 Andy Lo 編按：疫情反覆，兩年多間無止境的適應、「新常態」、場所關閉又重啟，舞蹈界從業員一直展現著無比韌力。今次邀請到不同舞者、舞蹈老師和製作人，談及他們面對疫情的應變及對舞蹈的反思。 （先後以受訪者中文姓名筆劃序） 舞者與舞蹈老師： 1）請分享疫情下在工作／創作上最難忘的一個情境 2）表演／上堂形式、工作地點等因為疫情而改變，你認為這對你將來的工作模式和本質上有甚麼影響？ 3）在疫情下如何鍛鍊身體／保持身體的狀態？對空間的感受有沒有改變？ Henry Shum 岑智頤／照片由岑智頤提供Photo provided by Henry Shum 岑智頤 Henry Shum – 現代舞舞者 Contemporary dancer 1）有一天，在入台期間突然收到政府消息，指當日下午起將關閉所有場館。主辦單位即時決定將演出轉為拍攝，所有台前幕係工作人

對談：曲飛（曲）、陳瑋鑫（陳） 主持：陳國慧（慧） 文字整理：葉懿雯 慧：今天邀請到兩位藝評人分享2021年本地舞蹈的發展，可否先請你們分享三大舞團值得留意的發展方向？ 曲：三大舞團於去年都更清楚各自的路向。首先是香港舞蹈團（舞蹈團），藝術總監楊雲濤在疫情前已開展新的美學探索，運用采風的方法，探究中國民族舞，近年銳意在民族舞中注入武術，是他個人藝術追求上的新路向。 去年舞蹈團演出多個重要作品，最多人談論的是《九歌》，其次是我最喜歡的《紫玉成煙》，《山水》也展現出新觀點。黎海寧編舞的《九》是香港當代舞蹈重要作品，是舞者的朝聖之作，流轉已有三十年，今次由舞蹈團新製，效果稱職，值得一記。《紫》與桃花源粵劇工作舍合作，糅合中國舞蹈和戲曲元素，不但表現出故事內容，更能深化原著《紫釵記》裡的女性犧牲精神。我對舞蹈團的藝術取向和將來發展感到樂觀。 陳：我之前參與了舞蹈團關於武術的研究計劃，明顯看到楊雲濤和舞蹈團隊經過計劃後，演化出不一樣的身體和精神狀態。例如《山》一開場那個ensemble，一眾舞者承接了2020年演出《凝》時的身體和精神狀態，展現與以往不同的

文：蔡嘉雯 「樂手的自我修養」研習工作坊／攝：Vincent Yik（照片由不加鎖舞踊館提供） 舞蹈與音樂的創作常被視為兩個層面：編舞和作曲家商討後各自創作，再將之結合成為舞台作品。到底舞蹈與音樂在創作過程中有沒有其他互動的可能性？我們可以怎樣體驗音樂與舞蹈的互動？表演藝術團體不加鎖舞踊館舉辦的「公開研習週2022」讓公眾探索表演藝術的創作過程，當中的工作坊「書寫動態：音樂、動作及編排標記法」以及「樂手的自我修養」讓參加者通過一連串的活動打破聲音與動態的界限。 「樂譜」與動態創作 「書寫動態」工作坊讓學員探索動態與聲音記譜的可能性，讓學員以符號、圖像、文字進行想像，使標記法成為互動的創作媒介。活動的流程是先讓學員收集一段訊息，好像經歷一次身體探索，到戶外進行sound sketch或聆聽一些聲音片段，繼而運用圖像或符號記錄和重塑這些經歷，完成的樂譜交由另一學員演繹，而演繹者需要探索自己的身體，創作各種肢體動作、聲音、事件來詮釋樂譜。 「書寫動態：音樂、動作及編排標記法」研習工作坊／攝：Vincent Yik（照片由不加鎖舞踊館提供）...

文：凌志豪 《Complement》／攝：Yoichi Tsukada（照片由不加鎖舞踊館提供） 不加鎖舞踊館（Unlock Dancing Plaza）一直在實踐#非關舞蹈的概念，摒除舞蹈技巧和各種舞蹈理論，聚焦於作為本源的身體，鼓勵公眾參與，重新認識使用身體的方法，利用身體作為媒介探索自我以及與社會的關係，創造屬於自己舞蹈的方式。落實在本次長達半年的非關舞蹈祭，策展人李偉能（Joseph）跟監製李漢廷（Michael）以「編舞的方法學」（choreographic methodology）作為主題貫穿整個舞蹈祭，透過公眾參與、表演節目及專業發展等方面勾勒出#非關舞蹈的面貌。 編舞的方法學：舞蹈風格及視覺畫面外的作品構成 相對利用舞蹈作為一種隱喻，以不同的動作和舞者之間的互動象徵各種感情、關係、現象或哲理。是次舞蹈祭所挑選的作品，著重於呈現某種遊戲和程式作為創作機制，以及超脫特定的舞蹈風格技巧或流派，闡明非關舞蹈的概念。例如韓國舞蹈組合 Choi X Kang Project的作品《Complement》並不透過舞蹈姿態來探索空間與視點的主題，

文：莫昭如 《印「蹈」遊大埔》／攝：Karen Chow（照片由BEYOND Bollywood提供） 新冠肺炎疫情嚴峻，劇場關閉，人與人之間須要社區隔離，造就了許多在網上表演和觀賞的作品。藝術發展局藝術數碼平台（Arts Go Digital）計劃支持了藝術工作者或創作人在網上發表新創作，是十分適當和合時的做法。 由BEYOND Bollywood製作的《印「蹈」遊大埔》（下稱：《印遊》）（Dance Virtual@Tai Po）是這計劃支持的68個創作之一。這個網上製作體現了BEYOND Bollywood的宗旨「Dance，Connect，Diversity」── 以肢體表達、以藝術連結、以學習了解彼此、擁抱多元。 構思意念之初，我們思考如何以BEYOND Bollywood的宗旨為骨幹，為觀眾提供傳統舞台以外的體驗，使用有別於傳統劇場的表演方式。VR（虛擬實景）能夠突破空間限制，將觀眾帶到現場，更加可以作主導將鏡頭拉近舞者，超近距離觀察舞蹈動作。 由BEYOND Bollywood聯合創辦人之一Uday Sathala（來港已經14年的

文：梁曉端 「賽馬會當代舞『賞・識』教育計劃」專業舞台導賞／攝：DejaVu Creative（照片由城市當代舞蹈團提供） 「甚麼是當代舞？甚麼是藝術教育？」由以上的問題開始，從構思、準備、實踐…….走到三年後的今天，中間經歷社會動盪、世紀疫情，「賽馬會當代舞『賞・識』教育計劃」的演化，無論在形式或內容上，都超越我的想像。 整個計劃分三大部分：到校巡演節目《舞・出個框框》、專業舞台導賞、教師及學生工作坊。目標為培育出具賞析能力的舞蹈觀眾群，由觀賞到參與，入門到深化。以下將從創作手法、背後理念、因應時勢的演變三方面分享。 創作手法和教育劇場的觀演關係 一開始我就捉住最直接的問題出發，構思巡演的部份──「睇唔明！」這個疑問經常出現，特別在以標準答案為上佳的教育體系中，學生常常會問，那麼「點樣先係睇得明？」。很多時候，因為「都唔知你哋跳緊乜」，令觀眾卻步不願意觀看抽象的舞蹈演出。針對這一點，我認為最重要的不是提供觀看指引或解說，而是突破「看別人想我看到的」，賦予觀眾自主詮釋的權利，每個人都能夠建構出自己的賞識脈絡，評價作品。 考慮到巡演節目的對象是小學

文：羅妙妍 《現在．舞．分享》於K11購物藝術館地下中庭演出／攝：Hardy Cheung （照片由新約舞流提供*） 在躁動與沉默不斷較勁的世代，「溝通」是一門需要修習的課。 聆聽當下處境，感應身邊人的狀態，溫柔而堅強地傳達由衷的訊息，本應是種本能，但面對生活鋒利的挑戰，不免磨鈍與生俱來的直覺。要重新喚醒這種本能，新約舞流選擇由身體出發，自2019年夏推出賽馬會「音語來回」舞蹈教育計劃。這個得到香港賽馬會慈善信託基金捐助的三年計劃，分為四個單元，每個單元的外展工作坊皆與不同背景及年齡層的目標觀眾同行，單元一巡迴大專院校及社區；單元二的「現在．舞．分享」，為大專生及在職青年提供深化工作坊和演出機會；單元三巡迴中學；單元四則巡迴長者中心。此外還包括一系列導師培訓工作坊，以在職舞蹈導師和藝術導師為對象。計劃以舞蹈為主幹，融匯其他藝術媒介，如戲劇、音樂、文字及視覺藝術，以一系列藝術教育活動，搭建跨越世代與媒介的溝通橋樑。 今年計劃將呈獻最終章──「暮言．菁行」，連繫耆青兩代，在探討溝通的過程中加入生命教育。活動由兩部分組成，第一部分由編舞導師及不同藝術範

文：凌志豪 不加鎖舞踊館在疫情下表演空間消弭的困境中另闢蹊徑，開拓網路空間，策劃了《互（換）玩－舞蹈與錄像的互動實驗》，邀請分別來自舞蹈和影像創作界別的創作者創作影像作品，「建立同時解構有關舞蹈被轉譯成影像的各種關係」。觀諸計劃中的六部作品，大致可分為兩種截然不同的傾向：舞蹈錄像以及以舞蹈為題材的錄像作品，某程度突顯出兩個界別出生的創作者自然不同的思維。另外計劃也突破了以往觀賞網上節目的模式，部分作品開拓了舞蹈新的觀賞及互動可能。礙於篇幅所限，本文就只抽取部分作品為例說明。 網路空間引發新的觀看機制 《Two Solos, One Dance, Three Frames》／ 照片由不加鎖舞踊館提供 李偉能的作品《Two Solos, One Dance, Three Frames》充分利用網路空間提供的條件，讓觀眾自由組合觀看的影像部分，並且藉此視覺化地呈現拉丁舞中兩舞伴之間複雜的關係。作品分為兩段短片：〈Two Solos, One Dance〉和〈1 Dance 3 Frames〉。兩條短片的播放視框旁邊皆有滑杆可以控制呈現哪一部分的影像，例

文：顏素茵 《我的無限舞台》／照片由藝造人才提供 「大部份的展能舞蹈都不好看。」誰敢說這樣的話？換成這樣說又如何？「大部份的芭蕾舞都不好看。」 舞者是殘疾人士，他的演出就歸類為展能或殘疾藝術（Disability Arts）似乎不太好說。如果舞者限制自身的身體條件編舞，作品會被稱為殘疾藝術嗎？假如編舞是殘疾人士，讓其他舞者演出他的作品，他的作品是殘疾藝術嗎？在忙於思考歸類和評論框架時，作為觀眾其實究竟在欣賞甚麼呢？是單純欣賞舞蹈的原創性、藝術性嗎？是否真的需要先歸類，而歸類又真的份外重要？ 我的生命不是你的啟發 《我的無限舞台》／照片由藝造人才提供 與其抱著一筐懷疑去觀賞殘疾（disability）不如先看能力（ability）。《我的無限舞台》明顯有意圖集合不同背景的舞者去述說不同的「我」，當中包括不同年齡和身份的舞者，身障、聽障、視障可視作舞者此刻身份的一部份。「我」的舞台無限——「我」能夠舞動，毋論身心如何。這是以第一身呈現「我」的生命，不是為了啟發你而舞動。倘若因著「我」的舞蹈讓你有啟發，可能是你看見「我」能夠享受自己的無限。如果換上其他