文：《舞蹈手札》編輯部 繼Mirror紅館演唱會發生墮屏事故已一年有多，至今不時仍有內幕消息爭相浮出，足見對業界影響之深遠。近日，康樂及文化事務署（康文署）擬為轄下場地的舞台工程倡設「四級制」，於今年7月會見本地個別藝術團體，舉行「有關加強舞台安全與業界的交流會議」，交代新政策舞台工程「四級制」修訂方案，參考了不同地區的安全指引以及採納工程師學會的建議，按工程複雜度、機械裝置及高度等將舞台演出分為A級、B級、C級與C+級，當中B級或以上的演出須經不同程度的工程師作為獨立第三方審核，消除安全隱患。保障演出者利益固然重要，但業界對「四級制」有不少聲音，除了引起各大藝團的反對外，各媒體亦相繼報導有關新聞，皆因舞台製作的形式和規模天差地別，將演唱會行業與表演藝術業界混為一談似乎並不合適。而且製作困難倍增之餘，更有可能阻礙香港舞台設計產業的發展，而文化產業的輸出以及輸入只會逐步減少。 有見及此，《舞蹈手札》分別邀請到現為香港舞台技術及設計人員協會（HKATTS）項目顧問、資深舞台設計師徐碩朋，以及年輕舞台設計師LCM，談及對「四級制」的看法，務求讓大眾

文：陳抒 香港舞蹈總會於2023年8月18日、19日兩天，假香港故宮文化博物館賽馬會演講廳和香港演藝學院舉行為期兩天之「非遺之舞——專家研討會暨舞蹈工作坊」。首日，來自中國內地、香港和澳門的18位舞蹈工作者齊聚一堂，分享作為非物質文化遺產的舞蹈在中國不同地域發展和保護的情況；第二日，講者化身導師，帶領眾人「身體力行」地感受「非遺之舞」的魅力。 非遺之舞主體性的省思 首日上午第一場演講中，中國藝術研究院的江東教授在主題演講中引用「世界非遺公約之精神」為要旨，拋出至關重要的問題：誰是非遺保護的主體？江教授認為，公約中反覆強調的「community」在中文語境中並非等同於公約的官方中文翻譯「社區」，不可簡單地把非遺主體理解為「擁有非遺項目的社區、群體和個人」，公約中使用community的本意是要把非遺的主體與政府和學者區分開來，貫徹的是一種自下而上的獨立發展思路。江教授的見解切中肯綮。在筆者看來，community一詞在人文學界常見的譯詞為「社群」。「社區」、「社群」一字之別，重點卻完全不同，前者出發點放在地理空間上，後者強調的是作為個體和群體的

文：賴閃芳 「一個孩子如果不知道這一切，如果他從來不曾繞著一座雕像轉圈圈，如果他從來不曾用黑色的顏料，在柔軟的白紙上畫來畫去⋯⋯他會像一千隻從來不曾學飛的小鳥一樣傷心。」——Alain Serres，《我是小孩，我有權利參與文化》 作為中女，對於最近年輕一輩流行Y2K服飾我都覺得很驚奇，或許我早就忘記了年輕人的眼中的世界是怎樣，更莫說學前兒童？《怪怪》的對象是0-24個月的幼兒，根據皮亞傑（Piaget）的認知發展理論，此時是成長期的「感知動作階段」，嬰兒在以肢體動作接觸周遭環境的過程中，逐漸認識這個世界。其中可再細分為多個階段，每個階段的身體機能、社交、語言能力及認知有特定發展。在幼兒階段，理解世界方法主要靠五感，其常見行動如吮吸、觀看、抓握和推，所擁有的知識也只限於以上動作所及。語言發展仍在起步，只限於常見的物件單詞如車、狗、花等等。對於劇場常用的手法如明喻或隱喻、燈光的氛圍與涵義等表演形式，近乎零認知。以大人的視角看，是接近純粹的抽象世界。在如此純粹的世界，所有新加入的經驗都是新鮮、驚喜而美麗的。但同時亦挑戰藝術家的想像及個人能力：跟這些剛

文：麥慰宗 《七七蹈體動作研究——從「調頻」到「適應」》是這次研究的全名，於2023年5月至8月進行。雖然有點長篇，還是先要說明一下甚麼是「七七蹈體」、「調頻」和「適應」。 舞蹈藝術家盤彥燊（盤）於2016年9月啟動自身舞蹈研究，2021年定名「七七蹈體」（附一）。研究主要借用「氣」（附二）的導引、五韻（附三）、液態系統（附四）的概念，整理出一套舞蹈動作理念及練習方法。所有練習因應不同目的來設計，並發現及創造出自身「未知／已知」動作的語言及動態。以「氣」的共鳴，體驗更率真的溝通方式，強化舞者表演時的溝通能力，讓個人意識及集體意識流動，體會在共鳴中交織出舞蹈的內外形態。 「七七蹈體」訓練計劃歷時120分鐘，依照以下四項目的來分配時間： 1. 調頻：放鬆身體及心靈，讓氣自由暢順地運作。 2. 適應：以意念、呼吸、肢體練習累積體內的氣，使身體出現微溫狀態。 3. 動能處理：借即興和想像，在意識上連接體內和外界的氣，並使它們真實地互動。 4. 運轉乾坤（附五）：從了解體液的流動管道，誘發身體不同運動質感，同時覺察自己身體的原有特質。 盤希望從累積探索萬物

文︰曲飛 今年暑假，剛成立的當代表演藝術平台「香港•魂」（Hong Kong Soul），在倫敦皇家戲劇藝術學院和愛丁堡藝穗節演出三個節目共五個作品。適逢筆者在英國，故此在倫敦觀看其中一個節目《港女》（The (Hong) Kong Girls），這個別出心裁的現代舞作品。演出包括三個舞蹈單元：黃碧琪《睇．女》（Bird-watching）、李思颺《Bleed-Through》以及馬師雅《烏》（Wu）。散場之後，也許被英國陰晴不定的天氣影響，正值傾盆大雨，內心加倍糾結。 首先在小劇場亮相的是黃碧琪。這齣作品對於筆者而言並不陌生，因為在2018年於大館舞蹈季首演時看過，當年舞蹈季的主題是「198491牆後的赤裸信息」。不知道舞者是否考慮扣題，在半句鐘的演出，全程一絲不掛，全身赤裸。尤記得在大館演出時，觀眾須要站立或自由選擇觀看位置和視角，比起這次小劇場的單面台設計是最大差別；至於作品的主題思想，依然是舞者一直關心的，就是由女性角度出發，以批判眼光詰問身體、慾望及性。 「香港 ·魂」《港女》 / 攝： Cheung Chi Wai@Moon 9 im

文：聞一浩 今年香港藝術節是疫情爆發以來首個完整的、以現場演出為主的一屆。今屆舞蹈節目有八個，整體來看選擇是較為保守。不過，籌劃節目期間香港的防疫措施仍是相當嚴謹，主事者走謹慎路線也不為過。 說回演出，最為出色的是迷犬舞蹈劇場的《茱麗葉與羅密歐》和芭蕾天后娜塔麗亞ㆍ奧斯波娃（Natalia Osipova）的《「世」不可擋》。兩者分別顯示了創意及表演技巧可以是怎麼的一回事。 《收音機與茱麗葉》／攝：Damjan Svarc （照片由香港藝術節提供） 翻出新意的迷犬 無獨有偶，今屆舞蹈節目中，除了迷犬的《茱麗葉與羅密歐》外，開幕節目之一、斯洛文尼亞國家歌劇院馬里博爾芭蕾舞團演出《收音機與茱麗葉》，同樣改編莎士比亞的《羅密歐與茱麗葉》，但出來的效果截然不同。 由迷犬藝術總監班ㆍ杜克（Ben Duke）擔任導演及編劇構作的《茱麗葉與羅密歐》，大膽地改寫了結局——羅密歐沒有死去，他與茱麗葉更結成夫妻。演出由他們結婚多年後，婚姻出現問題而需要接受輔導下開展。杜克借用夫妻會見輔導員時的場面，重構當年兩人邂逅、結婚及尋死的場面，藉著兩人複述記憶的落差，呈現所謂

受訪：B-Boy MC Fat Joe、B-Boy SoulGreen 訪問及文字整理：《舞蹈手札》編輯部 蔡曜鴻 2020年國際奧委會宣佈霹靂舞（Breaking）成為2024年巴黎奧運會的新項目，屆時一眾舞迷將一同見證霹靂舞於奧運會首次亮相的歷史時刻。為了解更多霹靂舞文化以及霹靂舞賽事的資訊，《舞蹈手札》編輯部有幸邀請到香港霹靂舞界傳奇人物，同時身兼香港體育舞蹈總會霹靂舞臨時委員會成員的B-Boy MC Fat Joe，以及香港霹靂舞代表隊成員之一——B-Boy SoulGreen，分享經歷與感受，宣揚霹靂舞文化。 香港霹靂舞代表隊赴日本集訓、比賽 （照片由Joe提供） 蔡：國際奧委會於2020年宣佈新增霹靂舞為2024年巴黎奧運會的新項目。此舉無疑引起社會大眾關注，令香港霹靂舞文化更上一層樓。作為香港霹靂舞界的前輩，能否介紹一下霹靂舞的元素、特色，以及有別於其他舞蹈的地方嗎？ Joe：首先，感謝《舞蹈手札》的邀請進行訪問。霹靂舞的特色在於舞蹈系統的構成，包括站立式的舞步TopRock，亦有講求排腿動作的Footwork，還有涉及靜止動作的F

文：余敏婷 校對及潤飾：郭玟萱 2022年8月，本地舞蹈團體BEYOND Bollywood由香港出發，展開為期約兩周的《愛丁堡藝穗節》（Edinburgh Festival Fringe）演出之旅。其實早在兩年前，團隊已獲香港藝術發展局「文化交流計劃資助」，赴英參與藝術盛事。惟因新冠病毒肆虐全球，至使外訪計劃遲遲未能實現；而《愛丁堡藝穗節》亦一度停辦和縮減規模，直至今屆才全面復甦，同時慶祝踏入75周年。 舞作以《In/Out of Bounds》為題，由香港舞者楊建萍、丁丁、趙承軒和長駐愛丁堡的舞者Oxana及Kirsten共同演出，在現場三乘四米的有限空間下，展示和探索「自由」的意義。30分鐘的表演包含七段舞蹈，糅合中國舞、印度古典舞（Bharatanatyam）、寶萊塢舞（Bollywood Dance）和當代舞，配合中式、印度和塞爾特音樂（Celtic Music），交織出風格迥異卻和諧協調的舞蹈。開初時，舞者們各自以水袖、繩索、重複而焦躁的步伐，展現過去數年間身心所受的限制；及至中段她們雙雙演繹重逢、相聚的美好；最終由思念中釋放，重新掛

文：Iris Lau 「小龍鳳舞蹈劇場實驗平台：傳統與當代藝術跨界對話」／攝: Snap_Shot_Sammy（照片由小龍鳳舞蹈劇場提供） 傳統與當代藝術，經常被放在對立的面向上討論，無論表達手法、觀眾接受程度，甚至乎所得到的認同與財政支援……傳統與當代藝術能否互相幫助，開拓新時代的另一種生存模式，或是如磁鐵兩極，永遠不可以互相靠近？ 「小龍鳳舞蹈劇場實驗平台：傳統與當代藝術跨界對話」初始研究為期一年半，筆者作為研究員，見證四位藝術家：當代舞藝術家馬師雅、岑智頤，及粵劇藝術家袁善婷、菊紫雲，與小龍鳳舞蹈劇場的藝術總監許俊傑，由對話開始，互相分享各自對其表演藝術界別的技巧、價值觀及美學。 很多時候，我們討論傳統與當代藝術時，也會談到兩者的呈現模式與技巧，因而把討論的焦點集中在兩個藝術媒介的限制與自由之上。 為甚麼傳統藝術被認為是傳統守舊？ 為甚麼當代藝術讓人感覺標奇立異？ 在自由之中如何找尋限制的意義？ 在限制之中為何找尋自由的必要？ 「小龍鳳舞蹈劇場實驗平台：傳統與當代藝術跨界對話」／攝: Maximillian Cheng @ moon9ima

文：葉瑪 舞蹈線上交流工作坊Museum of Human Emotions 2021／照片由西九文化區和陳偉洛提供 近年國際流行合辦藝術家交流，當疫情使出入境受到重重限制，那些跨地域交流亦紛紛轉至線上。然而，舞蹈作為一種十分依賴舞者實時實地的身體交流的表演藝術，轉成非在場的溝通又是否依然有效？ 筆者 數月前以文字紀錄者身分，參與了西九文化區自由空間與法國、意大利、日本、台灣的舞蹈機構合辦國際創意交流計劃「Museum of Human Emotions」（MoHE）。面對工作坊不得不以線上形式進行的掣肘，2021年度交流計劃乾脆將關鍵詞設定為「空間」，再將整個計劃由慣常的密集式多天交流，分拆成每月一至兩回的工作坊；各地區的藝術家可先計劃內容，再透過網上會議工具聚首。 空間是舞蹈藝術的根本，舞者透過特定空間內不同方向、程度、範圍的動作，傳遞感受與想像，形成舞蹈語言，但空間的建築、環境設置，背後的時代、社會、文化脈絡，也會影響在場者的感受和狀態。想像一下，當你走進開幕不到四年的高雄衛武營國家藝術文化中心，排練室視野開闊，窗外綠意盎然；相較於香港