[中][ENG] （後）疫情的舞蹈界處境
文Text：
岑智頤 Henry Shum / 郭慧芸 Vivian Kwok / 樂知靄 Shirley Lok / Uday Sathala / 張月娥 Karen Cheung / 盧君亮 Andy Lo
編按：疫情反覆，兩年多間無止境的適應、「新常態」、場所關閉又重啟，舞蹈界從業員一直展現著無比韌力。今次邀請到不同舞者、舞蹈老師和製作人，談及他們面對疫情的應變及對舞蹈的反思。
（先後以受訪者中文姓名筆劃序）
舞者與舞蹈老師：
1）請分享疫情下在工作／創作上最難忘的一個情境
2）表演／上堂形式、工作地點等因為疫情而改變，你認為這對你將來的工作模式和本質上有甚麼影響？
3）在疫情下如何鍛鍊身體／保持身體的狀態？對空間的感受有沒有改變？
Henry Shum 岑智頤／照片由岑智頤提供Photo provided by Henry Shum
岑智頤 Henry Shum – 現代舞舞者 Contemporary dancer 1）有一天，在入台期間突然收到政府消息，指當日下午起將關閉所有場館。主辦單位即時決定將演出轉為拍攝，所有台前幕係工作人員需要趕在閉館前把拍攝完成及清場離開。幸好有部DV機，即日當演出，完成整個拍攝流程，演出感受卻難免與原先期望有落差。 2）我覺得很多藝團或藝術工作者都嘗試探究新的生存方式，如Zoom class、Zoom rehearsal、網上演出等等，有編舞更在演出中配合拍攝手法及即時剪接，令演出有電影感，用新的方式呈現舞蹈演出。 疫情令藝術創作及交流由實體轉變成網上，相信網上平台將會是未來其中一個發展方向。雖然確實衍生了很多新的工作模式，但我相信大部分人都希望疫情盡快結束，因為網上的藝術交流及演出始終無法取代劇場及排練室演出那一種即時的互動及交流。 3）疫情期間多了行山。就空間感受而言，和人之間距離變得比以前遠。
郭慧芸芭蕾舞學校網上課堂 Vivian Kwok School of Ballet online class／照片由郭慧芸芭蕾舞學校提供 Photo provided by Vivian Kwok School of Ballet
郭慧芸 Vivian Kwok – 郭慧芸芭蕾舞學校創辦人 Founder of Vivian Kwok School of Ballet
1）在疫情的這段時間，最難忘的可算是復課的第一天。大家見面，簡直有一點劫後餘生的感覺。大家的關懷和感情，經過疫情之後，不知不覺地增進了許多。 疫情期間，全靠網上聯絡，經常用WhatsApp來與家長溝通，教學上則倚賴Zoom。間中個別家長會到學校探望我們和職員，又或到學校購買衣服鞋襪。
2）很直接地影響了教學上的教案進度。 老師盡量爭取面授機會，把所有需要較多空間的動作先教曉同學，留待在網課時學習扶手把桿和原地跳動作。 喜歡網上教學的唯一原因，是可以不受疫情影響，不用擔心病毒傳播。不喜歡的地方比較多，訊號不穩定、家中空間不夠、學生專注力不好、不能親身改正、音樂有delay等等。
3）年幼的學生在疫情過後極度需要重新學習與人接觸，其他的學生則影響不大。
沒有足夠空間的舞蹈練習有一定困難，身體鍛鍊限制於伸展和少部分帶氧運動，但整體而言，對空間的感受沒有特別大的改變，反而對人生的意義帶來不少的衝擊──名與利、健康、競爭、友情、老闆的責任、快樂、貢獻、工作、娛樂、去與留……
樂知靄 Shirley Lok／攝Photo: Leung Wing Chun（照片由城市當代舞蹈團提供 Photo provided by City Contemporary Dance Company）
樂知靄 Shirley Lok – 城市當代舞蹈團資深舞蹈藝術家 City Contemporary Dance Company Senior Dance Artist
1）最難忘是今年一月至四月間的變動，當中包括桑吉加編舞的《停格中的塑像》，整個排練完全在線上進行，然後演出前一個星期被通知劇場需要關閉，演出形式卻沒有定案，每一天都在變動，很是刺激。其實最大的影響是士氣和情緒，由開初對這種遙距排練抱有懷疑，到全體演員準備就緒可以踏上舞台，結果最後被取消，當中有極大的失落感。同時要擁抱這種失落感，去準備做一個紀錄形式的錄像，情緒的起伏非外人能明白。
2）另外，今年二至四月，自己的創作原先將在麥高利小劇場演出，到最後決定以線上錄影形式進行，使我不斷重新思考觀演關係以及作品主題的呈現如何延伸到線上展演，發現當中的切入點有著本質上的不一樣。線上錄像較難創造一個表演者與觀眾、觀眾與觀眾之間的共同經驗，但更容易成為有紀錄、有溫度、不能磨滅的、存在於此時此地的一種見證。我認為這種工作模式的出現令表演的展示更有彈性，亦可以重新感受每一種關係的距離。這種「關係的距離」正正就是溝通，縱使現場表演和錄像形式有所不同，但作為表演者或編創者，我們都不斷尋找一些角度、媒介和語言去擴闊這種關係的可能性和拉近這個距離。 3）在未能回到公司上班的日子，很慶幸舞團安排了連續幾星期的瑜伽課及藝術賞析，幫助我們保持作為舞者的身心健康和整個團隊的聯繫。
Uday Sathala／照片由大館提供 Photo provided by Tai Kwun
Uday Sathala – Co-founder & Artistic Director of BEYOND Bollywood
1) The most difficult part was filming for the Arts Go Digital project, because we had scheduled our on-site dance recordings at a historic landmark (Kwong Fuk Bridge) in Tai Po just as the fourth wave of coronavirus infections emerged with the surge of COVID-19 cases in December 2020. In fact, social distancing measures may have been an advantage for filming because it meant there were fewer people on the streets. All the female performers wore cropped costumes while the male performers wore vests due to the cold weather (less than 10 degrees) on the evening we filmed. Everything was eventually completed due to the effort, commitment and professionalism of the entire team.
2) After multiple waves of the pandemic culminating in the fifth one, we have got used to automatically transforming all our regular physical activities and rehearsals from in person to online. The pandemic has been a wakeup call making us aware of how technology affects our lives and how to reshape the development of the performing arts. We also reflected on and envisaged ways to fully utilise our arts space at Tai Po Arts Centre and reshape the performing arts long term. So, we have been transforming our studio into a mini-theatre for various types of experimental performances in preparation for overseas tours in the future. In addition, this will be a new platform providing coherence and synergy to support emerging dance artists. We should not be thinking of ourselves as special. We should be thinking about how we are aligned with other cultural workers. The dance field is so often divided. We have to be ready to collaborate and align with other people especially in the post-COVID era.
On the one hand, we do believe that established digital platforms should remain active and increase their presence even after the pandemic. On the other hand, virtual learning cannot replace the experiential learning of human values and character development to be had in a classroom setting or the ambience generated in the theatre. Both forms (online and offline) have their place. But we should further explore the possibility of building an O2O (Offline-to-Online) model through reshaping stage performances and in-studio learning as a significant fallback during any difficult times in the future.
3) If things go off track, adapt I tried to create my own training schedule to adapt to the nearly innumerable cancellations (of classes, rehearsals, performances) during the pandemic. Physical and mental training (daily stretching exercises, meditation and cross-training) were my way of enriching my artistry and discovering new things. For example, I participated in a hybrid Train-the-Trainer programme called The Jockey Club Dance Well Project which is organised by the School of Dance at the Hong Kong Academy for Performing Arts and funded by the Hong Kong Jockey Club Charities Trust. I was able to learn about Parkinson's disease and how to modify movement teaching to improve the lives of those living with the disease.
Returning to origins In a world of mandated social distancing, we could not work in the dance studio. This brought back memories of my early dance training in India and made me rethink how we use mirrors in dance. In Indian dance, we do not work with the mirror. That is the first thing that we are forbidden to do, because we are supposed to feel what we do, not see what we do. Our masters forbid us to look at ourselves in the mirror, because they say ‘you are not alone in the studio and there is always somebody looking at you’. In Hong Kong, many dancers in class rely heavily on the mirror to help them self-correct their lines and see what their movement looks like. Actually, they need to learn to read how a movement feels. In my classes I will shift my focus more on how to inspire dancers to be aware of how they feel and make adjustments based on just their feelings.
製作人：
1）請分享疫情下在工作／創作上最難忘的一個情境
2）表演／上堂形式、工作地點等因為疫情而改變，你認為這對你將來的工作模式和本質上有甚麼影響？
3）在疫情下如何與海外藝術節／製作單位保持／建立關係？
《觀・影：城市舞畫》網上綵排 On View: Panorama online rehearsal／攝：Ziv Chun（照片由張月娥提供 Photo provided by Karen Cheung）
張月娥 Karen Cheung – 西九文化區表演藝術主管（舞蹈） Head of Dance, Performing Arts, West Kowloon Cultural District
1）我2019年加入西九文化區（西九），至今大部分時間都在疫情中度過。
2020年1月底、2月初，《觀．影：城市舞畫》在橫濱首演，與此同時，鑽石公主號郵輪發現有乘客確診。數日後，每年一度「日本橫濱國際表演藝術會議」（TPAM）在橫濱開幕，鑽石公主號停靠橫濱港。藝術家、國際同業們如常地穿梭於大小劇場、咖啡館、會議廳之間，鑽石公主號在海上隔離，橫濱市內店舖口罩瞬間清零，氣氛日漸詭異。演出及會議結束、在橫濱跟國際藝術家及同業說再見後，至今兩年多後竟還沒有機會再次面聚。
而《觀．影：城市舞畫》在幾經延期後，變為《觀．影：城市舞畫組曲》，最終於2021年12月在西九完成最後一站公演。當時劇場已經持續開放差不多一年，我心裡默默的想：是時候告一段落了吧！然而……
2）疫情促使大眾廣泛利用網上工具進行各樣工作，包括：會議、社交、甚至排練、上課及演出等。其中大部分活動在疫情緩和後回復到實體進行，然而，電子媒介提供了新的可能性，在回復原有的舞台製作及演出模式的同時，我相信線上或兼容模式會發展成為專門創作種類。
而與海外藝術家的合作方面，將更多考慮以本地舞者完成部分或整部作品，這樣既可以精簡流動人員，改善碳足跡，同時也加深業內的交流。
我並不太喜歡居家辦公，但是相關工具的發展某程度上釋放了在地需要，提供了選擇。
3）疫情下與海外藝術機構的關係是透過不同項目，以合辦、共同委約或製作等模式來維繫或開展的，而這些項目都是利用電子技術完成。當中有在地演出改為線上項目，也有特別為線上演出而創作的作品，亦有進一步以特別設計的虛擬空間由身處不同地域舞者一起演出的作品，例如國際創意交流計劃「Museum of Human Emotions」便連續兩年在線上舉行；而與梅田宏明的合作，亦由簡單的邀約演出，改為持續三年的實驗、研發及創作專案，最終作品將於2022年9月在自由空間首演；最新項目之一是由上海藝術家陸揚，以分別身處悉尼及香港的舞者，在她的動畫即時互動演出，作品將於10月初同時在悉尼歌劇院及西九自由空間首演。
TS Crew《靈校》／攝 Photo: Fung Wai Sun（照片由盧君亮提供 Photo provided by Andy Lo）
盧君亮 Andy Lo – 鐵仕製作經理、獨立製作人 Manager, TS Crew, and independent producer
1）最難忘是2020年TS Crew策劃的沉浸式萬聖節活動《靈校》。當時因疫情關係，兩大主題公園皆停辦萬聖節活動。而TS Crew看準時機，以最靈活的方法，一個月內在大埔藝術中心製作了這個活動，並進行了共64場流水式活動，吸引了區內外約850名公眾入場，當中不乏跨區來「玩」的公眾。這是我入行十多年來最上下一心、最熱血、睡得最少的活動。試想像，一班專業演員，在完成64場後，一同將整個大埔藝術中心還原的景象，很感動，對嗎？試想像演員在輪替時，主動縮短休息時間，為的就是想將整個活動的氣氛推到最高峰，不可思議嗎？
若果主題樂園是巨人的話，今次我們是歌利亞了。我相信是次吸引了不少主題樂園的忠實觀眾來參與《靈校》。我也從中見到中小型藝團的靈活與彈性。而最靈活、也是最「痴線」的是我們動用盡疫情下的資助去舉辦這次活動，而不是用來交租，讓一班主題樂園的表演者在萬聖節這個黃金檔期不至於零收入。當然，這是十分高風險，不過TS Crew就是看準了是次機會，放手一搏！而我們得到的，比想像中更多，走得更遠。
2）作為製作人，基本上也要靈活變通，也要涉足「新奇刺激」的東西，因此，疫情下只是將我們的見識拉得更闊。然而，本質上令我有更深體會的是舞蹈／藝術製作如何跟公眾連結，才是重點。要在疫情下生存，除了靠資助，最重要其實是來自大眾。今次是一場「大型考試」。藝術界做了那麼多年公眾推廣，是次疫情絕對是對以往工作的評核。而這讓我們TS Crew更加確定藝術不能再拘泥於某種形式、對象、是否很商業或很藝術的思維。
3）除了盡量參與網上活動互相連結外，其實最有用的方法就是定期分享在疫情下做了甚麼，以及大家預計在「預期」的疫症過後，能否維持參與海外藝術節的資源。疫情下的作品主要分兩類吧。一種是在網上播Video或收費發放Video，另外一種是鼓勵藝術家以Zoom或相類似平台作創作媒體，將Zoom／相類似平台作「舞台」，而不是在舞台拍攝作品再於網上播放。個人來說，當然對實體舞台有較大的喜好。於劇場演出、跟不同觀眾一同觀劇是獨特的經驗。然而，若這不是要去取代實體舞台，而是作為另一種創作媒體，我卻十分感興趣。我不會說這是否「未來」或者是甚麼「進化」，而有趣在於這類平台／媒體的界限是甚麼，當藝術進入這類媒體／平台，藝術家可會衝擊到某些界限呢？而這種衝擊又會帶來甚麼？
